Att rädda privat Ryan är ett mästerverk. Det cementerar Steven Spielbergs rykte som en av tidens filmskapare. Det berättar en galant historia om ära och plikt och mod under eld. Det visar dig saker om krig som aldrig har setts på en filmskärm. Det gör dig stolt över att vara en amerikan utan mycket falskt, sentimental, patriotisk flaggsvängning. Och det återupplivar min tro på filmernas potentiella storhet. Och nu, efter att ha sagt tillräckligt för att höja ögonbrynen, låt kontroversen börja.
Vissa människor vill inte se den här kraftfulla och elektrifierande filmen på grund av våldet. (Det här är samma personer som gillade Pulp Fiction.) Jag kan inte ljuga. Att rädda privat Ryan är våldsamt. Krig är våldsamt. Men en av de många styrkorna i denna fenomenala film som skiljer den från det vanliga Bang, bang, du är död! saker är hur det inte bara undersöker våldets natur utan också omdefinierar hela konceptet. Du ser på de mest omänskliga aggressionerna och förstår varför de var nödvändiga för självförsvar. Herr Spielberg går utöver krigsfilmgenren; han ger dig själva kriget.
Att rädda privat Ryan slösar ingen tid på utläggningen. Det släpper dig in i en av de mest våldsamma sammanstötningarna i världshistorien från början. Det är den 6 juni 1944, den dag som i ökändhet kallas D-dagen, då de allierade landade på stranden i Normandie för att möta de tyska stridsvagnarna som hotade den civiliserade världens framtid. Mer än 4000 amerikaner dog i striden som följde, och herr Spielberg fångar upp buller och förvirring, tårar och skräck från pojkarna som dog som hjältar före sin tid, i en av de mest oroväckande stridsekvenser som någonsin filmats. Du kastas först i slaktögat, där överlevnad var ett mirakel. Ni är tyskarna, och ni är också de sårade och kräkande G.I. när stränderna fylls med kroppar och blod och de skadade blåses rakt ut ur Röda korsets läkare innan de kan dras till säkerhet. Den här förödande sekvensen varar i 30 minuter, och det är den mest överväldigande och upprörande halvtimme jag någonsin har tillbringat i en teater. Det finns inget försök att ändra ljudet för att göra enskilda dialograder lättare att höra. För en man är skådespelarna hes från kakofonin som omsluter dem, och betraktaren känner sig så instängd och desorienterad som soldaterna. Normandieinvasionen var väldokumenterad i den episka The Longest Day, men herr Spielbergs duk är i ännu mer massiv skala, med en virtuos explosion av förintande skräck som kastar publiken in i centrum av handlingen med en centripetal kraft som är obeskrivlig .
Historien som följer handlar om åtta modiga men misshandlade soldater, ledda av Tom Hanks, som beordras att rädda en privatperson (Matt Damon) som saknas i aktion bakom fiendens linjer. Ingen vill ha uppdraget, men kommandokedjan går ner från general George Marshall, som är villig att riskera åtta mäns liv för att rädda en pojke för att lindra en sorgs familj i Iowa efter sin andra. tre söner har dött i aktion. I en galvaniserande föreställning måste Mr. Hanks motivera risken för sina män, hålla dem från att lämna och hitta anständighet och ansvar i helvetet av krig. I det lysande manuset av Robert Rodat lär du känna varje man som en familj i din egen familj, och under nästan tre timmar visar Mr. Spielberg att inget i krig är svartvitt. Amerikanerna är bra och dåliga, fega och ädla. Vissa kan begå samma grymheter mot övergivna tyskar som de kämpar för att förhindra. Framför allt är de mänskliga.
Den agerande ensemblen är förstklassig. Tom Sizemore är särskilt bra som den tuffa veteransergenten som spelar efter regelboken, och Edward Burns, som den tuffa rebellen från Brooklyn som inte har någon barmhärtighet mot fienden, bryter ut ur sin vanliga tråkiga monoton för att etsa ett porträtt av cynism och ilska under stress som är överraskande visceral. Lojaliteter och värderingar förändras när du är känslomässigt upprörd, och spelarna gör ett övertygande jobb med att visa inre konflikter. I slutändan är värdena som Spielberg utforskar hos dessa män mänsklighetens etik.
Du går bort från vissa filmer och säger, jag vet hur de gjorde det. I Saving Private Ryan är stridsscenerna så grafiska att du inte kan tro vad du ser. Du är aldrig medveten om kamerans närvaro. Ingenting ser ut övad eller iscensatt. Du slås helt enkelt ur din plats. Långt ifrån en konventionell gung-ho-krigsfilm full av machohjälte, får den dig fortfarande att känna de små tapparna av tapp som oväntat kom till de män som kämpade under andra världskriget, utan att förlora sin mänskliga berättelse. Vissa människor kommer att invända mot skrappatruljen av åtta killar som ibland verkar utplåna hälften av den tyska armén med ett oändligt utbud av artilleri, men filmen är så vackert tempo av Mr. Spielberg och frenetiskt redigerad (av Michael Kahn) att du aldrig har tid att oroa sig över enstaka komplott. För ren brute force överträffar den Battleground, Battle of the Bulge, Bataan och till och med The Longest Day när stora krigsfilmer går.
För yngre publik som aldrig har hört talas om Omaha Beach eller Bastogne eller ens Adolf Hitler är den här filmen en värdefull historielektion. För mer mogna publik är det en förnyelse av förståelsen för det senaste kriget som verkligen var värt att kämpa. Jag sa det tidigare och jag säger det igen. Att rädda privat Ryan är ett mästerverk. Och varför inte? Herr Spielberg har gjort en av de största barnfilmerna genom tiderna. Han gjorde en av de största skräckfilmerna genom tiderna. Han gjorde den största förintelsefilmen genom tiderna. Efter E.T. , Jaws och Schindlers List, det är bara logiskt att han nu skulle göra en av de största krigsfilmerna genom tiderna. Och det är precis vad han gjorde.
Sedgwick anländer.
Var är Shakespeare?
Trots lukten av rökelse och sitarmusiken verkar Nicholas Hytners försök att flytta Shakespeares tolfte natt till Orienten i den kontroversiella sommarproduktionen i Lincoln Center ofta mer som Jacques Offenbach än Ravi Shankar. Det är ett överdådigt skådespel för ögat, om inte alltid för örat. Designer Bob Crowleys Illyria är byggd på kanaler som ser mer ut som Venedig än Kashmir. Persiska mattor med påfåglar åtskiljs av strandpromenader av indiska mosaiker och in i safirblå poolen buffade och polerade skådespelare från Reebok Gym krossar och bär så lite som lagen tillåter. När Paul Rudds Orsino säger den berömda linjen If music be the food of love, spela på! han röker ett opiumrör i en horisontell bedövning. När Helen Hunt's Viola går in, dyker hon upp från ett skeppsbrott och vaddar genom pooler av gossamer dimma. Ja, det är bländning överallt, nya idéer i rörelse och massor av bländning för att avleda uppmärksamheten, men var är William Shakespeare?
Jag välkomnar alla revisionistversioner av Twelfth Night, inklusive Your Own Thing, rockmusiken som till och med inkluderade en scen mellan Humphrey Bogart, drottning Elizabeth, Michelangelos Gud från Sixtinska kapellet och John Wayne. Men att sätta detta mest romantiska komedier i ett diskotek skulle på något sätt verka mindre bisarrt än några av upptåg i denna udda produktion. De trassliga kärlekarna till Viola och hennes tvillingbror Sebastian, greve Orsino, Olivia, och de olika tjänarna och domskämtarna som förvirrar dem ytterligare, är fortfarande en yr glädje, mogen för en skit, vara inställningen Marrakech eller Maine. Men det är ett konstigt sortiment av felaktiga sängkamrater som gör det här.
Den största överraskningen är Kyra Sedgwick, en filmstjärna med skönhet, timing och kroppsspråk för att göra Olivia till den svindlande gudinnadrömmen. Helen Hunt, med sin pojkaktiga hästsvans och nonsensleverans, är en hämtande könsböjare som ofta minskar den arkaiska mätaren till samtida avläsningar som kommer att glädja människor som hatar Shakespeare, men hon har inte röstskuggorna eller scenutbildningen för att gör Viola minnesvärd. Med örhängen dinglande och långa lockar som faller ner på ryggen som en hästman, ser Paul Rudd ut som en rockgitarrist på dåliga droger. Ljusår borttagen från den charmiga homosexuella läraren han spelade i Mr. Hytners älskande film The Object of My Affection, han saknar fortfarande den manliga vägen för att göra Orsino till centrum. Brian Murray och Max Wright spelar dårar som en berusad Laurel och Hardy och äter kinesisk mat med pinnar, medan deras kohort i komedi med lågbrun, Skipp Sudduth, i tröjor och mössa, är klädd som Warren Beatty i Bulworth. Philip Bosco är alltid ett underverk och är en upprörande Malvolio, som gör övergången från sträng ekonomisk trollkarl till vitlös idiot med en krympad attityd och skrynklig panna som påminde mig om Smirnoff-vodka-mannen med förstoppning. Vissa medlemmar i den enorma rollgruppen letar fortfarande efter underlag av sina roller, och andra, som Rick Stearn som den stiliga Sebastian, är knappast på tal med Bard alls.
I den imponerande överdådigheten i produktionsdesignen finns det mycket att beundra, men när du spenderar mer tid på att räkna och räkna upp antalet ljus som lyfts och sänks ner från taket på en stjärnklar tolvte natt (jag räknade 60), är det något fel med själva natten.
