Paddy Johnson, skriver om Pace Gallerys expansion 2019 och dess invigningsshower, sa: ' Advokat Hollowell Abstrakta målningar av blobbar har livfulla färger och det är ungefär det. Jag tror att Johnson letade efter sätt att överbelasta galleriet – vilket hon i samma artikel beskriver som att hon i första hand lockade till sig ”unga ekonomiska bröder, upphetsade gamla kvinnor med plastikkirurgi, ekonomiskt motiverade samlare och High Line-turister” – och Hollowells arbete fastnade helt enkelt i korselden. Konstnären, för dem som inte känner till, målar inte 'blobbar' och hennes dukars livliga nyanser är inte ens det mest förtrollande med dem.
Det som är så intressant med Hollowells arbete bortom färg är hur hennes målningar och pastellteckningar verkar glöda inifrån och kastar sitt eget målade ljus på kurvor och högar som alla med en mänsklig kropp borde känna släktskap med. Hollowell, vars arbete är mycket rotat i upplevelsen av kroppslighet, är inte särskilt snäll med sina titlar, så om du är osäker på om bröstet eller penisen eller mons pubis har din hjärna hittat i det som till en början ser ut som en rakt av abstrakt bild, chansen är mycket god att det du tror att du såg är det du såg.
Om du saknar att se urvalet av Hollowells nya storskaliga teckningar stänga om bara några dagar på Pace, finns det fortfarande ' Loie Hollowell: Space Between, A Survey of Ten Years ”— hennes första museiundersökning någonsin på Aldrich Contemporary Art Museum i Ridgefield, Connecticut. Det sistnämnda ger naturligtvis en mer komplett bild av hennes konstnärskap, men det är något övertygande med det extrema fokuset i Pace-showen, 'Dilation Stage', som sätter anpassningsförmågan hos den kvinnliga kroppen – särskilt Hollowells kropp, ur. mamma i det abstrakta – på full display, berättar en historia lika gammal som mänskligheten själv genom att ändra färger.
Observer kontaktade nyligen Hollowell för att fråga om hennes process, hur människor reagerar på de teman hon väljer och artisterna som har påverkat henne.
Många pratar om abstraktion i ditt arbete, men jag tror att för människor som har haft vissa upplevelser – jag själv bland dem – känns det inte alls abstrakt. Vad tror du beror på det?
Det är den ideala interaktionen som jag hoppas att tittarna har när de tittar på mitt arbete. Jag har aldrig ansett mina målningar helt abstrakta eftersom de handlar om visceral levd erfarenhet. Även om drivkraften för att göra en bild alltid kommer från en specifik omständighet jag har levt i, vill jag att själva målningen ska fungera på flera nivåer och inte bara illustrera vad jag har upplevt. Jag är intresserad av att alla olika typer av människor har sin egen distinkta läsning eller koppling, och min förhoppning är att betraktaren ska fluktuera mellan att se något som är abstrakt och att samtidigt göra fram delar av figuren. Jag har faktiskt funnit att det är omöjligt att helt eliminera närvaron av en kropp.
Form sticker ofta ut i ditt arbete, men vilken roll spelar färg i dina teman? Vad sägs om ljus?
Färg och ljusintensitet är vanligtvis de första elementen jag tänker på när jag komponerar en bild. Ofta känner jag till färgupplevelsen eller den övergripande stämningen som jag vill uppnå för att uttrycka en situation innan jag kommer på hur jag ska forma bilden. På så sätt är färg och ljus ledstjärnor i mitt arbete.
På Pace visar du teckningar som är intensivt biografiska – hur biografisk är ditt arbete totalt sett? Och varför?
Allt mitt arbete är självbiografiskt. Allt kommer från personliga upplevelser jag har haft i min kropp. Jag har gjort verk om min egen erfarenhet i världen, från det ögonblick jag ville bli konstnär. Det är innehållet som jag vet bäst, som jag kan utforska djupast och som jag kan prata med med mest auktoritet.
SE ÄVEN: Paloma Contreras Lomas och Ines Doujak är här för att få dig att tänka
En sak som slog mig med många av dina verk är att de återger kvinnokroppen på ett sätt som skiljer sig från den manliga blicken – vilket fortfarande är ovanligt 2024. Var det avsiktligt?
Mitt arbete utforskar ofta mina erfarenheter från ett inifrån-ut-förhållningssätt, speciellt situationer jag har upplevt inifrån min kropp och hjärna. Med tanke på ursprunget till det innehållet är det omöjligt för mig att analysera mitt arbete från något annat perspektiv än det jag upplever mitt liv ifrån, inrymt i en kvinnoidentifierande kropp. Medan en majoritet av mina kompositioner tittar noga på mitt inre jag, har jag också gjort bilder som tittar på mig själv eller, mer specifikt, mitt könsorgan i relation till min partners könsorgan. För mig är det verket det mest pornografiska och närmare placerat med tanken på en könsuppdelad blick.
Folk har jämfört ditt arbete med Georgia O'Keeffes – är den jämförelsen lämplig, eller finns det en konstnär (eller artister) från det förflutna du känner en mer potent koppling till?
Om jag var tvungen att välja en artist som jag känner mig mest kopplad till från det förflutna skulle det vara det Agnes Pelton , på grund av hennes utforskning av ljus och färg, och hur hon suddade ut gränsen mellan abstraktion och figuration. Georgia O'Keeffe var verkligen ett tidigt, och kanske mitt största, inflytande när jag började göra den här arbetsstilen. När jag först grävde ner mig i mitt nuvarande arbete, gjorde jag faktiskt blomformade vaginalporträtt och använde O'Keeffes färgpaletter för inspiration. Men allt eftersom min praktik har utvecklats har jag funnit att Agnes Pelton och andra transcendentala målare, såväl som neotantriska målare gillar Ghulam Rasool Santosh , har varit extremt inflytelserik när det gäller att hjälpa mig att abstrahera min kropp samtidigt som jag har bevarat essensen av en levd upplevelse som finns i verket.
