Martin Scorseses Gangs of New York, från ett manus av Jay Cocks, Steven Zaillian och Kenneth Lonergan, baserat på en berättelse av Jay Cocks, var enligt uppgift inspirerad av Herbert Asburys krönika Gangs of New York från 1928, som Scorsese läste mer än 30 år. sedan mycket senare delade sin entusiasm för boken som ett filmprojekt med en manusförfattare-vän, Mr. Cocks. Resultatet efterklämmer på skärmen med en dödlig kraft och raseri mer intensiv än någonting som Mr Scorsese ännu har uppnått på de grymaste och mest älskade gatorna han kan tänka sig eller komma ihåg.
Filmen har kritiserats mycket för att spela snabbt och löst med de historiska fakta från perioden - mest 1860-talet - och miljön: Five Points-kvarteret på nedre Manhattan. Ändå föreställer jag mig inte att ämnet någonsin skulle ha tagits upp i första hand av en filmskapare som är mindre känslomässigt involverad i materialet än Mr Scorsese var. Därför är jag skyldig honom en tacksamhet för att han gjorde filmen vid denna tidiga tidpunkt, när alltför många människor fortsätter att pladdra om hur New York-borare har tappat sin oskuld sedan 9/11.
Gangs of New York börjar med en utökad och massiv stridsplats som inblandar rivaliserande gäng av nativistiska antikatolska och irländsk-katolska invandrartalningar. Inställningen är uppenbarligen den nedre Manhattan grytan av fattigdom, brottslighet och bigotry som kallas Five Points, cirka 1846, men de stridande primitiva vapen - dvs. yxor, knivar, svärd och klubbar - ger skådespelet ett medeltida utseende och ljud . Mel Gibsons Braveheart (1995), med sin skotska / brittiska brouhaha, kommer att tänka på när Five Points 'Hibernian-gänget, de döda kaninerna-ledda av Liam Neesons präst Vallon-konfronterar de dominerande protestantiska horder ledda av Daniel Day-Lewis karismatiskt återgivna William (Bill the Butcher) Cutting. På en mer personlig nivå framkallar striden också Sergio Leone's Once Upon a Time in the West (1969), som ett barn-ungt Amsterdam Vallon (Cian McCormack) -klockor som hans far dör i händerna och klingan av Bill the Butcher och löften att hämnas honom. Men när Mr Scorsese och hans medarbetare kastar sig in i Five Points historia och sociologi 16 år senare, mitt i inbördeskriget, blir Gangs of New York för mångfacetterad för att leverera antingen Mr. Gibsons etniska glöd eller Leones visuellt fokuserade emotionism. .
Leonardo DiCaprios vuxna Amsterdam Fallon insinuerar sig framgångsrikt i Bill the Butcher självförtroende såväl som hans gäng, men Amsterdams växande fascination med sin fars slaktare verkar försvaga, Hamlet-liknande, hans beslut att hämnas. Jag vet inte vad som hände under skrivandet och inspelningen av filmen, men någonstans längs linjen blev Mr. Day-Lewis 'Bill the Butcher Claudius som stjäl showen från Herr DiCaprios Hamlet.
Båda karaktärerna åtnjuter favoriterna av den vällustiga fickfickan Jenny Everdeane, spelad med robust godsportsskal av Cameron Diaz, förmodligen ett större box-office-namn idag efter Charlie's Angels än antingen Mr. DiCaprio eller Mr. Day-Lewis. Ändå finns det något för mycket tvetydighet och komplexitet i utvecklingen av huvudpersonerna och deras olika orsaker till de moraliskt förenklade, manikanska kraven från populära epos med tydligt definierade hjältar och skurkar.
Detta är inte att säga att herr Scorseses mise en scène någonsin är mindre än förtjusande i sin mardrömsliga rekreation av Five Points-frenet genom Dante Ferrettis fantastiska produktionsdesign, som använder uppsättningar byggda från grunden i Roms Cinecitta-studior. Man får en att känna sig instängd i ett förflutna från vilket det inte finns någon flykt, eftersom parochial gänghistoria kolliderar explosivt med lärobok amerikansk historia i de klimatiska, ökända utbrottets upplopp från 1863, som belyste både irländarnas rasförlust mot de svarta, i den avskyvärda formen av flera lynchingar och den underliggande orättvisan för rika män som tillåts av Abraham Lincolns regering, inte mindre - att köpa sig ut ur utkastet för $ 300, en ouppnåelig summa för potatis-hungersdrivna irländska invandrare . Det har ryktats att det löpande priset för National Guard-biljetter som gjorde det möjligt för de försvinnande plutokraterna från George W. Bushs generation att undvika Vietnam var $ 5 000 dollar - en rimlig eskalering för ett århundradets inflation.
Upploppen själva och deras brutala förtryck markerar ett blodigt kapitel i historien om både New York City och nationen. Det återstår att se om publiken med något spår av historisk nyfikenhet är tillräckligt stora för att göra Gangs of New York åtminstone bryta jämnt. Men med unga unga filmbesökare som verkar vara ointresserade på 1960-talet är det svårt att se hur en film om 1860-talet kommer att dra dem bort från sina glänsande nya videospel.
För resten av oss är Gangs of New York aldrig mindre än intressant, och ofta spännande och absorberande. Våldet är ibland grymt, men aldrig gratis. I slutändan är det där vi en gång var i det utlovade landet vi kallar Amerika, och det skulle vara väldigt vuxet för oss att komma ihåg det. Filmen stöds oöverträffligt i sin övervakning av Jim Broadbents övertygande karaktärsföreställningar som den cyniska och korrupta Boss Tweed, John C. Reilly som den irländsk-amerikanska turncoat-polisen i en anti-irländsk kommunadministration, Brendan Gleason som en irländsk-amerikansk politisk martyr och David Hemmings som en hycklerisk medkännande konservativ tid.
Snabb ytlighet
Rob Marshalls Chicago, från ett manus av Bill Condon, har fritt anpassats från musikstycket Chicago 1975, regisserat och koreograferat för scenen av Bob Fosse, med musik av John Kander och texter av Fred Ebb. Maurine Dallas Watkins skrev originalstycket 1926 med titeln The Brave Little Woman, som i sin tur inspirerade två filmer, Frank Ursons tysta Chicago 1927 (från ett manus av Lenore J. Coffee, med Phyllis Haver som Roxie Hart) och William A. Wellmans Roxie Hart 1942 (från ett manus av Nunnally Johnson, med Ginger Rogers i titelrollen).
I alla sina inkarnationer hittills under de senaste 75 åren eller mer har den grundläggande berättelsen inte förlorat sin ytliga aktualitet. Faktum är att kändesmordrättegångar till förmån för den glupska, mediamanipulerade allmänheten förmodligen alltid kommer att vara med oss, vilket är mer än man kan säga för Hollywood-musikgenren, född med ljudets kom i slutet av 20-talet och blomstrar 30-talet till 50-talet, bara för att praktiskt taget försvinna under de senaste decennierna - främst på grund av den ökande betydelsen för Hollywoods slutresultat av utländska marknader, där amerikanska musikaler inte reser bra.
Den nuvarande Chicago har hyllats av många av mina kollegor som musikalen som kan starta den dödliga genren igen. På alla mått är det en enorm förbättring jämfört med Baz Luhrmanns Moulin Rouge (2001), en pompöst överfylld maskerad som poserar som en musikal. I själva verket är Chicago på många sätt en beundransvärd bedrift. Det lyckades med olika spel, inklusive gjutning, anpassning och redigering, som delar upp presentationen mellan drömvärlden och den förmodade verkliga världen, mellan sinnets teater och teatern i 20-talets Chicago-och, mest farligt, mellan musikaliskt utbildad men inte alltför erfarna musikaliska artister som Catherine Zeta-Jones, Queen Latifah och (mest överraskande av alla) John C. Reilly, och jämförelsevis amatöriska men begåvade snabbstudier som Renée Zellweger och Richard Gere.
Mr. Marshalls Chicago är en två-diva musikal, med Ms. Zellweger som Roxie Hart och Ms. Zeta-Jones som Velma Kelly, Roxies bittera rival tills de bildar en parning av bekvämlighet för deras slutliga inlösen-på-deras-frifinnelser -för-mordnummer, utfört under en stadens applåder. Men man kan faktiskt konstatera att Velma inte framträdde som en karaktär i en av de två tidigare filmerna eller originalet; Hon debuterade i Bob Fosses scenproduktion 1975, med Gwen Verdon som dansade och sjöng delen av Roxie Hart, och Chita Rivera dansade och sjöng delen av Velma Kelly.
Kemien mellan Zellweger och Zeta-Jones är kyligare och mycket mindre gemytlig än den mellan Marilyn Monroe och Jane Russell i Howard Hawks 'Gentlemen Prefer Blondes (1953), från Charles Lederers manus, baserad på Anita Loos roman, med sånger av Jule Styne och Leo Robin, följaktligen är Chicago nästan per definition en musikal utan hjärta: en ingrediens som de flesta av oss behöver och förväntar sig i en musikal, oavsett om vi väljer att erkänna det eller inte. Roxie och Velma är båda slutligen själviska och självupptagna, med hungriga, behövande egon som spelar bättre på Broadways spröda, hypersofistikerade scener än på världens silverskärmar.
Här spelar en nyfiken paradox in i den ikoniska interaktionen mellan Zellweger och Zeta-Jones. Trots att Zeta-Jones har varit en vackert fyllig skönhet i sina tidigare roller, har hon aldrig genererat mycket värme eller känsla. Hon är alltså perfekt gjuten som Velma. Zellweger är en helt annan historia, eftersom hon har fördjupat sina djupaste känslor med bara måttligt bra utseende för att vinna publikens hjärtan. Lyckligtvis är hon inte utan humor och ironi för att mildra den karaktäristiska karaktären i hennes karaktär i Chicago. Ändå gör hennes grymhet mot sin man spelad med nebbishy adel av Mr. Reilly henne mindre än sympatisk. Poängen är att karaktärerna Monroe och Russell verkligen gillade varandra, och det är en anledning till att deras fackförening har varit så minnesvärd. Du måste ändå se Chicago, om bara för att se vad jag menar och eventuellt inte håller med mig.
Härliga Dickens
Douglas McGraths Nicholas Nickleb y, från sitt eget manus, baserad på romanen av Charles Dickens, visar sig gärna säkrare mot julstämningen än alla jultomtefilmer tillsammans. Det är en mager men inte anemisk Nickleby som McGrath har skapat från den 816-sidiga Dickens-romanen, vilket håller den centrala berättelsen glatt och rörande engagerande. Filmen berikas av en fantasifullt blandad besättning av antiska andar, ledd av Christopher Plummer som den subtilaste och mest komplexa onda farbror Ralph jag någonsin har sett i de många film- och scenanpassningarna av verket. Inte långt efter är Jamie Bell som den olyckliga Smike; Jim Broadbent som sadistiska Wackford Squeers; Juliet Stevenson som den skrämmande fru Squeers; Tom Courtenay som den berusade men ständigt hjälpsamma kontoristen, Newman Noggs; Nathan Lane som den utsökt hammiga teaterimpresaren Vincent Crummles; Barry Humphries (aka Dame Edna Everage) som Mrs. Crummles; Timothy Spall som en av Cheeryble-tvillingarna, Edward Fox som den läskiga Sir Mulberry Hawk; och Alan Cumming som en mer hedervärd aristokrat, herr Folair.
De jämförelsevis raka delarna av Nicholas Nickleby själv (Charlie Hunnan), hans älskade Madeline Bray (Anne Hathaway), hans fattiga mor (Stella Gonet) och hans belägrade syster Kate (Romola Garai) utförs mindre imponerande än excentrikerna, men Dickens var alltid mer bekväm och kreativ med sina snygga varelser än med sina vita brödhjältar och hjältinnor.
Hitlers ungdom
Menno Meyjes 'Max, från sitt eget manus, tar oss till München 1918, när två återvändande, besegrade tyska veteraner, en fiktiv, en rik judisk konsthandlare vid namn Max Rothman (John Cusak), och den andra en 30-årig blivande målare som heter Adolf Hitler-möts och blir tillfälligt involverade med varandra vid det som visar sig vara ett avgörande ögonblick i världshistorien. Vad som är involverat har förolämpat vissa människor, men jag tyckte att filmen var fascinerande för sin undertext om konst och politik, som nu.
