En minimalistisk men skrämmande finale till 'Don Giovanni'Richard Termine En pågående kontrovers i operaproduktionen idag är frågan om skaparens avsikter, det vill säga hur en kompositör kan ha förväntat sig att hans verk skulle se ut och låta på scenen.
Vilken rösttyp, till exempel, hade Bizet i åtanke för titelrollen Carmen , en sopran eller en mezzo? Hur mycket improvisation på de skrivna anteckningarna skulle Bellini ha förväntat sig i hans Regel ? Och skulle Wagner ha känt igen hans Parsifal ligger under en motorväg i det postapokalyptiska Amerika?
Det faktum att dessa debatter till stor del bygger på gissningar skrämmer inte antagonisterna. I själva verket finns det till och med en Facebook-grupp som motsätter sig så kallade moderna operaproduktioner, och naturligtvis en annan grupp för. Ett ämne behandlas dock inte så ofta: den faktiska storleken på teatern där operan spelas.
Metropolitan Opera, till exempel, med sina cirka 3 800 platser, är ett mycket större utrymme än de platser de största operakompositörerna skulle ha sett för sig. Och ändå utför Met Met verk som Mozarts Don Giovanni , ett intimt verk, som hade premiär 1787 på Prags Estates Theatre med en kapacitet på cirka 650 - ungefär samma som New Yorks minsta Broadway-hus.
Så chansen att se Don Giovanni i en teater som är närmare fastigheternas storlek ger det inte bara en äkta känsla, men som förra veckans Mostly Mozarts presentation av operan avslöjade kan den vara uppenbarande. Dirigerad och regisserad av Iván Fischer, uppnådde denna produktion i Rose Theatre at Jazz at Lincoln Center (kapacitet på 1100) en enkel, storhuskänsla som Mozart-operaer nästan aldrig uppnått.
Det visuella inslaget i denna produktion var själva enkelheten: ett tomrum av svarta draperier omgav ett par scenplattformar. Inuti detta neutrala utrymme föreslog en kår av sångare och dansare i marmorvitt både arkitektur och bakgrundsutrustning. I ett särskilt charmigt ögonblick stod ett trassel av snurrande bondflickor graciöst och ordnade sig i ett lusthus bakom den nervösa bruden Zerlina kunde gömma sig.
Naturligtvis fokuserades på solosångarna, som för det mesta gav känsliga, detaljerade föreställningar. Finast av allt var Christopher Maltman, hans skarpa lyriska baryton som klingade både befallande och kvicksilverlig, en perfekt match för hans snygga scenuppträdande. Som den kränkta Donna Anna kan sopranen Laura Aikin ha saknat det ultimata i stålstyrka, men befallde att hitta virtuositet för den djävulskt svåra ari Non mi dir i andra akten.
Om de återstående sångarna inte precis var stjärnklara bildade de en tät, energisk ensemble. Och medan Budapest Festival Orchestra spelade inte bokstavligen var vad Mozart skulle ha velat - 1700-talets kompositör skulle säkert ha höjt ögonbrynet mot strängarnas moderna vibrato - tror jag att han skulle ha skrattat av glädje över gruppens oklanderliga attack och söta ton.
