För några månader sedan namngav Baltimore Museum of Art (BMA). Kevin Tervala som institutionens nya Eddie C. och C. Sylvia Brown Chief Curator, en roll som han tidigare fyllde på tillfällig basis i nästan ett år. Innan detta inlägg var Tervala chef för Arts of Africa, Americas, Asia and Pacific Islands-avdelningen sedan 2017, och han kommer med massor av idéer om hur man kan programmera sådant material för en så mångfald stad som Baltimore. Observer träffade nyligen Tervala för att höra om hans nya roll och hans tankar om konstvärlden i stort.
Du har varit på BMA sedan 2015. Vad är unikt med det som institution? Vad gör den bättre än andra?
Under 2018 gick BMA igenom en strategisk planeringsprocess som resulterade i en radikal revidering av vårt uppdrag och vision, en som förbinder oss att 'förkroppsliga ett engagemang för konstnärlig excellens och social rättvisa i varje beslut från konstpresentation, tolkning och insamling, till sammansättningen av vår styrelse, personal och volontärer.” Detta engagemang är djupt känt på alla nivåer i BMA, och sedan 2018 har vi gått snabbt för att transformera vår organisation från topp till botten. Detta har bara varit möjligt på grund av de otroliga människor som har engagerat sig i denna institution, från personalen och styrelsen till artisterna och baltimoreanerna som sätter sin tillit till oss.
Vilka är några av dina favoritprogram som du har arbetat med under din tid där?
Det är en tuff sådan! Jag har haft förmånen att kurera åtta utställningar under min tid på BMA, allt från små presentationer i ett galleri till vidsträckta projekt i flera gallerier. Av dessa sticker två ut som mina favoriter: 'Kuba: Fabric of an Empire' (19 augusti 2018 – 24 februari 2019) och 'A Perfect Power: Motherhood and African Art' (5 april 2020 – 7 mars 2021) ). I 'Kuba' undersökte BMA förhållandet mellan den politiska historien i Centralafrikas Kuba Kingdom och designen som broderats in i textilierna som skapats för och bärs av kungarikets elit. Detta var ett oerhört roligt projekt att forska i – ett som involverade koldatering av en cache av textilier för att skapa en 250-årig tidslinje av Kuba tvådimensionell design – och resultaten hjälpte oss att förstå modets viktiga roll när det gäller utövandet av kraft.
I 'A Perfect Power' – en utställning som undersökte moderns ikonografis roll i historiska centralafrikanska stater och samhällen – kurerade jag showen tillsammans med en verkligt briljant skådespelare av forskare och studenter, inklusive Oyèrónké Oyěwùmí, professor i sociologi, Africana och Kvinnostudier vid Stony Brook University; Jennifer Kingsley , direktör för Museer & Samhällsprogram vid Johns Hopkins University (JHU); och Michael Harper , Hae In Kim , Maria Kyriakakos , Clara Leverenz och Andrea White , studenter i en Curatorial Practicum våren 2019 som jag undervisade med Jennifer Kingsley vid JHU. Denna samarbetsprocess var så oerhört viktig för att göra utställningen till den framgång som den blev, och den gjorde den också väldigt rolig.
Hur programmerar du både för invånarna i Baltimore och den bredare konstvärlden?
Detta är en bra fråga och en som talar mycket direkt till allt som vi handlar om på BMA. Vår direktör, Asma Naeem , har gjort det till sin mission att sammanväva global och lokal historia, och vi formar vårt utställningsprogram och vår kuratorstrategi för samlingsgallerier för att lyfta fram dessa berättelser. Och det är en ganska lätt uppgift. Baltimore är och har alltid varit en global stad. Så om du fokuserar på Baltimore-baserade artister och Baltimore-baserade berättelser, kommer du naturligtvis att fokusera på historier om interaktion och utbyte. Vår kommande retrospektiv på den legendariska Baltimore-artisten Joyce J. Scott – ”Joyce J. Scott: Walk a Mile in My Dreams” (24 mars till 14 juli 2024) – gör detta tydligt. Joyce har bott i Baltimore under större delen av sitt liv men har rest världen över för att lära sig och göra tillsammans med andra artister. Hennes konstverk och hennes konstnärliga praktik är djupt förankrade i denna stad, men de är också relaterade till vår världs konstnärskap och historia.
Du har en doktorsexamen i afrikanska studier från Harvard. Vad lockade dig in på fältet?
Jag blev kär i afrikansk konst under mitt första år på college. På den tiden krävde min grundutbildning alma mater – University of Maryland – att alla dess studenter skulle ta en historia eller teori om konstklassen som en del av dess allmänna utbildningsprogram, och jag anmälde mig till en introduktion till afrikansk konst-kurs för att uppfylla det krav. Vid den tiden hade jag ingen aning om vad konsthistoria som disciplin var och hade aldrig gått en humanistisk klass på högskolenivå. Jag hade, kort sagt, ingen aning om vad jag gav mig in på, och jag blev helt kär i det jag såg. En del av detta beror på att afrikansk konsthistoria är fylld med en bländande mängd visuellt arresterande verk som gläder ögat och utmanar sinnet, och en del av detta är för att konsten tillät mig att överskrida mig själv och mina personliga upplevelser.
Konst av färgade verkar vara mer populär än någonsin bland samlare och curatorer. Hur har det påverkat fältet?
Även om jag håller med om att 'konstmarknaden' - den där amorfa enheten centrerad i globala finanshuvudstäder - äntligen har insett att människor från hela världen har skapat underbara och tankeväckande konstverk i årtusenden, men jag tror att det också är viktigt att inse att den upplevda nyheten i denna betoning är något av ett lokaliserat fenomen. Samlare, curatorer, forskare och konstnärer i hela den globala södern har samlat, kurerat och funderat på konstverk skapade av färgkonstnärer i århundraden. Och det finns gott om forskare och curatorer i den globala norden som också har gjort det till sitt livsverk att kämpa för färgkonstnärer och de verk de producerar. 'Konstmarknaden' är helt enkelt ikapp. Och det är hög tid att de gör det. Vi behöver fler utställningar och stipendier inriktade på historiska och samtida färgkonstnärer. Vi behöver fler samlare för att stödja konstnärer och gallerier som fokuserar på dessa verk.
Ditt museum skaffade nyligen sin första performancekonst. Vad säger detta oss om framtiden för din förvärvsstrategi?
Vi kunde inte vara stoltare över att vara institutionell förvaltare av Jefferson Pinder s fenomenala föreställningsverk Ben-Hur . Och även om detta är vårt första förvärv av en föreställning, kommer det definitivt inte att vara det sista. Vi är faktiskt engagerade i att ta hand om alla former av konstnärliga uttryck och reviderar kontinuerligt inte bara de samlade färdplanerna som styr vår förvärvsstrategi utan också de interna policyerna och procedurerna som styr hur vi samlar in, forskar, ställer ut och tar hand om konstverk. Ta 'Making Her Mark: A History of Women Artists in Europe, 1400-1800', till exempel. Denna utställning – som visades på BMA mellan 1 oktober 2023 och 7 januari 2024 och öppnar på Art Gallery of Ontario den 27 mars 2024 – avslöjade och värderade kvinnliga konstnärer som arbetade i konstnärliga medier som historiskt sett har ignorerats av vanliga konsthistoriker och konstmuseer. Genom att sätta konstnärliga medier som spets och pappersquilling på samma nivå som måleri och skulptur visade vårt briljanta curatorteam upp den extraordinära mångfalden av konstnärlig kreativitet i det tidiga moderna Europa.
På samma sätt kretsar mycket av min forskning kring konstverk gjorda av nomadkonstnärer, och vad jag har funnit är att många nomadkonstnärers normativa konstnärliga medier skiljer sig ganska mycket från de normativa konstnärliga medierna hos många stillasittande konstnärer. Det finns, som jag gillar att säga, lite konst i allt, och på BMA vill vi se till att vi visar upp och lyfter den gnistrande mångfalden i vår gemensamma kreativa anda.
Vad skulle du säga att du har lärt dig under dina nio år på denna institution?
Jag tror att en enklare fråga att besvara kan vara vad jag inte har lärt mig? Jag känner mig otroligt privilegierad som har tillbringat de senaste nio åren med att arbeta tillsammans med den mest intelligenta, passionerade, hårt arbetande och innovativa gruppen av kollegor (både i och utanför museet). Genom dem har mitt förhållningssätt till i stort sett allt förändrats radikalt. Och jag tror att det är den största läxan jag har lärt mig på BMA. Vårt arbete blir alltid bättre när vi engagerar oss – öppet och djupt – med varandra.
