Om du ännu inte har sett Clint Eastwoods Million Dollar Baby och har all avsikt att göra det, rekommenderar jag dig med respekt att inte läsa längre. Spara bara den här kolumnen för efter att du har sett den, för jag tänker förklara varför jag - till skillnad från mina uppskattade kollegor - inte delar deras entusiasm för den här filmen. Så jag måste ge bort mer än några komplotdetaljer för att stödja mitt fall.
Låt mig börja med att säga att ingen film i mitt minne har deprimerat mig mer än Million Dollar Baby. Jag såg det två gånger, först vid en tidig visning och senare på DVD, och även om jag inte var lika deprimerad andra gången, lämnade det mig fortfarande ganska dyster.
Anpassad från ett manus av Paul Haggis, är Million Dollar Baby baserad på en samling berättelser med titeln Rope Burns: Stories from the Corner, av veteranboxaren F.X. Toole. Mr. Eastwood, en anmärkningsvärt energisk 74, spelar en grizzled kamptränare Frankie Dunn. Tillsammans med sin kompis och engångskämpe Eddie (Scrap) Dupris, spelad av Morgan Freeman, driver Frankie ett gammalt gym i Los Angeles, som också fungerar som den plats som Scrap sover. De två kompisarnas småskakande kamratskap liknar det hos ett gammalt gift par, ungefär som deras magiskt bundna skyttar i Mr. Eastwoods Unforgiven (1992).
Bilden börjar med att Frankie hanterar en lovande ung tungvikt, Big Willie Little (Mike Colter), men efter flera imponerande segrar går Big Willie ut på Frankie eftersom chefen är ovillig att sätta upp en titelkamp. En av de många demonerna i Frankies skuldfyllda förflutna är Scrap's partiella blindhet som uppstod när Frankie lyckades han i en titelkamp som avslutade Scrap's boxningskarriär. En annan demon: de många brev som återvände oöppnade från Frankies främmande dotter, till vilken han ändå fortsätter att skriva regelbundet. Frankie beläger praktiskt taget fader Horvak (Brian O'Byrne), hans församlingspräst, för råd om lämplig försoning för sina tidigare synder, med att studera för att läsa W.B. Yeats i den ursprungliga gäliska är en av hans försoningsritualer.
I linje med boxningssociologin i lägre klass är kämparna i gymmet antingen svarta eller latino-åtminstone tills Maggie Fitzgerald (Hilary Swank) dyker upp. Hon börjar arbeta oförskämt på en slagsäck, med den avsedda avsikten att bli en boxningsmästare under Frankies handledning. Efter att ha lämnat sin trailer-park-trash-familj för att arbeta för öre och rester som servitris på en billig restaurang, är Maggie fast besluten att göra gott i ringen. Frankie försöker avskräcka henne genom att påpeka att hon, vid 33 år, är alldeles för gammal för att börja träna som fighter. Men med Scraps hjälp fortsätter Maggie till den punkt där hon börjar vinna klubbtävlingar. Naturligtvis uppstår ett surrogat-far-dotter-förhållande mellan Frankie och Maggie-han tänker till och med den kloka reklam-gimmick att presentera henne som en stolt irländsk kämpe för att säkra en etnisk fanbas.
Och sedan undergången. Den första sura noten slås när Maggie spenderar en del av sina inkomster för att köpa sin mamma och syskon ett nytt hus. Margo Martindale, som Maggies mamma, borde vinna någon form av pris för filmens mamma från helvetet; trots sin dotters generositet hånar hon maggie åt att alla skrattar åt henne för hur hon tjänar pengar.
Ändå finns det en viss tröst i Maggies triumferande världsturné, med folk som hejar på henne överallt där hon går. När hon återvänder till Amerika är Maggie i toppform för en mästerskapsspel mot en motståndare som kämpar så smutsig att hon får Mike Tyson att se ut som en körpojke. Striden kommer igång, och Maggie verkar vinna - tills, i ett obevakat ögonblick efter klockans ringa, slår hennes motståndare henne med en sugstans så grym att det skickar Maggie snurrande över ringen, hennes huvud kraschar i avföringen som Frankie drar upp efter klockan.
Maggie är nu ett korgfodral som suger syre från ett rör i en sjukhussäng. Hon vädjar till Frankie om att hjälpa till att avsluta sitt liv. Förutom skräcken dyker Monster Mom upp tillsammans med hela sitt giriga barn och en advokat för att teckna alla Maggies inkomster till sin familj. Du förlorade, älskling, du förlorade, säger mamman och minskade sin dotter till total förnedring. När Maggie inte kan underteckna kontraktet - hennes händer är förlamade - hennes mamma lägger obligatoriskt pennan i munnen, varefter Maggie kommer till sig själv genom att spotta ut pennan, förbanna hela familjen och skicka dem skrikande ut från sjukhuset som råttor från ett sjunkande fartyg.
Vad jag tyckte mest förvirrande om den tragiska vändningen var hur en mästerskapskamp som slutade i en kvasi-kriminell handling misslyckas med att olagliga konsekvenser eller protester, av Frankie eller någon annan. Jag vet att John F. Kennedy sa att livet var orättvist långt innan han mördades, och jag vet att filmkritiker har blivit villkorade för att fördöma lyckliga slut, men garanterar det en sådan överdriven malignitet?
Det som roade mig och frustrerade mig något är hur kritiker noggrant har undvikit att gå i detalj på den plötsliga samlingen av olyckor som förmodligen gör Mr. Eastwoods film så rörande. Självklart vill de inte förstöra det roliga för publiken, som är kvar och väntar över den plötsliga början av terminal smärta och sorg.
Men jag föreslår att det är en grov felaktighet att beskriva det slutliga resultatet som tragedi, som vissa kritiker har gjort. Tragedier deprimerar mig inte, för de är noggrant konstruerade för att undvika vaggar av blind olycka och slumpmässigt ont.
I slutändan godkänner Frankie Maggies grunder och underlättar hennes självmord, varefter Frankie, enligt Scraps berättelse, försvinner ur sikte och aldrig kommer att ses igen. Den taggiga frågan om barmhärtighetsdöd blir något av ett antiklimax bredvid den förtryckande sammankopplingen av en ond kämpe och en monstermor - jag skulle hävda att ingenting i berättelsen förbereder oss för en sådan katastrofal dénouement, även om vissa kritiker hävdar att de har upptäckt en illavarslande mörknar texturen i filmen eftersom den verkade rulla med på sitt Rocky-liknande inspirerande sätt. Jag ber om skillnad när jag vilar mitt mål mot Million Dollar Baby. Detta är inte att säga att jag vill förnedra arbetet med Mr. Eastwood, Mr. Freeman och Swank: De är alla utmärkta i vad som, enligt min kanske ultra-aristoteliska uppfattning, är en förlorande sak.
Sweet Release
Alejandro Amenábar's The Sea Inside (på spanska, med engelska undertexter), baserad på Ramón Sampedros bok Letters from Hell, berättar också historien om en handikappad huvudperson som vill avsluta sitt liv för att dö med värdighet. Men medan Million Dollar Baby lämnade mig förtvivlad lämnade The Sea Inside mig upprymd. Så mitt problem är inte med de komplexa känslor som är involverade i de drabbades önskan att dö med värdighet, utan i hur historien om dödsökaren berättas. Där Million Dollar Baby sjunker ner i gropen av bottenlös förtvivlan svävar The Sea Inside till de fantastiskt romantiska höjderna av kärlek mellan en man och en kvinna. Och när jag säger sväva, menar jag det bokstavligen för att beskriva en av filmens största kärleksscener.
Javier Bardem spelar Ramón Sampedro, en 55-årig quadriplegic som lämnades förlamad efter en dykolycka 30 år tidigare. I sin sängliggande stat tillbringar han åratal framställningar till de sekulära myndigheterna i Spanien för att ge honom rätten att avsluta sitt liv med värdighet.
Kärleksscenen som jag hänvisade till inträffar efter att han blev kär i Belén Ruedas Julia, en advokat som har kommit för att hjälpa honom att inge sin rättsliga grund. Julia är delvis handikappad själv och använder en käpp för att röra sig på grund av en degenerativ sjukdom. Hon är gift och Ramón är sängliggande, men de uppnår ändå en oöverträffad grad av andlig relation.
En dag, till den rörande melodin i Giacomo Puccinis aria som jag ska erövra från Turandot, stiger Ramón magiskt upp från sin säng, drar bort den från fönstret för att få en igång och flyger genom fönstret till stranden, där han möter Julia för en passionerad omfamning. Det finns mer än en liten regi-djärvhet i denna drömliknande intrång i de riker som Blaise Pascal bäst sammanfattade i aforismen Hjärtat har sina skäl. Denna djärvhet verkar komma naturligt för en regissör vars tidigare verk var genomvåt av annan världslighet, i filmer som Thesis (1996), Open Your Eyes (1997) och The Other (2001).
Det finns två andra kvinnor i Ramóns fysiskt men inte känslomässigt begränsade tillvaro: Lola Dueñas 'Rosa, en vulkaniskt blandad och rörig tvåbarnsmamma, som i Ramón ser en man som hon kan hälla ut sitt hjärta utan att trampa det i leran, och Mabel Riveras Manuela, Ramóns svägerska, som ägnar sig mer åt Ramóns behov än till sin egen familjs behov. Den enda frågan (och det besvaras så småningom) är vilken av dessa kvinnor som älskar honom tillräckligt för att tillfredsställa sitt hjärtas önskan och därmed skiljas från honom för alltid.
Under sin till synes oändliga prövning förblir herr Bardems Ramón, precis som hans verkliga motsvarighet, en glatt leende närvaro för de människor som flockar till hans säng för att bli uppmuntrade från sina egna olika sjukdomar. Denna glada stoicism av Ramón återges briljant av Mr. Bardem, för närvarande en av världens stora skådespelare.
Städerska i L.A.
James L. Brooks 'Spanglish, från sitt eget manus, kan anklagas för omvänd överdådighet för den snedställda kontrasten som det skapar mellan en mexikansk barnflicka som heter Flor (Paz Vega) och hennes rika Los Angeles-arbetsgivare, Deborah Clasky (Téa Leoni). Herr Brooks regisserar faktiskt Ms Leoni, en skådespelerska som inte är främmande för subtilitet, i samma, skrämmande enstaka ton för nästan hela filmen. Kritikerna, och jag antar allmänheten, tvingas praktiskt taget att hata hennes karaktär, men när du tänker på det gör hon aldrig någonting riktigt skadligt, förutom att eventuellt köpa kläder några storlekar för små för hennes knubbiga dotter, Bernice (Sarah Steele ). Däremot syr Flor, den goda polisen, en klädsel till Bernice som passar perfekt.
Adam Sandler spelar Deborahs olyckliga make, John Clasky, en kändiskock i världsklass. I en omvänd typ spelar Sandler en Casper Milquetoast-karaktär och svarar alltid med mildhet och känslighet för Deborahs mest upprörande utbrott. Dessutom ökar kaoset i hushållet Deborahs glatt tungt drickande mamma Evelyn (Cloris Leachman). Historien berättas faktiskt av Flors äldre dotter, Christina (Shelbie Bruce), i en snabbspolning fram till hennes ansökan till Princeton trots hennes olagliga invandrarbakgrund.
Men precis när jag skulle skriva av Brooks film som en rik, självhatande do-gooder med en svaghet för latinska brudar, började han plötsligt byta synpunkt för att avslöja att källan till Deborahs ångest hade mycket att göra med hennes misslyckade karriär och hennes olyckliga barndom med en berusad promiskuös mamma.
I en av de roligaste scenerna någonsin av engelsktalande och spansktalande människor som försöker kommunicera - en scen som visar hur resursstark en barnskådespelerska fru Bruce is-Christina inte bara översätter för sin mor utan också improviserar gester och rörelser för att dramatisera det emotionella innehållet i sin mors ord. Denna skrik av en scen är ensam värt inträdespriset. Jag gillade också scenen där Deborah får Flor att se lite dumt ut när hon försöker springa bort henne på vägen hem, med den överdrivna Deborah för en gångs skull, och inte ens inser att hon utmanas.
Ändå är det ingen slump att Span- föregår - engelska i denna speciella vädjan för invandrarbefolkningen. Filmen blir bättre när den går, och alla karaktärer, inklusive Deborah, blir mer intressanta och tilltalande när vi lär känna dem bättre. När jag tänker på det har Mr. Brooks alltid haft en tendens att bli skrämmande, även i sina bästa filmer som Terms of Endearment (1983) och Broadcast News (1987). Spanglish är långt ifrån sitt bästa, men det är tillräckligt bra för dessa generellt tuffa tider.
En italiensk klassiker
Luchino Visconti (1906-1976) anpassade Guiseppe di Lampedusas penetrerande historiska roman på Sicilien 1860 till Leoparden, en av de största filmbilderna genom tiderna, samt en av de mest politiskt djupgående. Filmforumet visar hela den oklippta italienska versionen - 195 minuter, inklusive den 45 minuters avslutande balsalsscenen, som sammanfattar alla teman i filmen i överdådig stil när en människas liv långsamt försvinner. Med Burt Lancaster, Alain Delon, Claudia Cardinale, Serge Regianni och Paolo Stoppa (12 till 20 januari).
