Steven Spielbergs München, från ett manus av Tony Kushner och Eric Roth, baserat på boken Hämnd av George Jonas, liknar andra betydelsefulla nyare filmer: Den är överdriven, psykologiskt ofokuserad, tematiskt otrevlig och nyfiken anakronistisk i sin kryptopacifism. Redan innan det officiella släppet hade det startat eldstormar av kontroverser mellan så kallade sionister och antisionister, israeler och palestinier, och som alltid mellan dem som tror inhögt i ett öga för ett öga och de som påstår sig tro att hämndfullt våld får bara mer våld. Innan jag såg München fick jag faktiskt leda mig till att tro att herr Spielberg, herr Kushner och herr Roth föreslog att israeliska vedergällning för massakern i israeliska idrottare i München har visat sig vara dåligt tillrådlig, meningslös och till och med kontraproduktiv. Det skulle följaktligen ha följt att skräck från själva massakern skulle nedvärderas i filmen.
Jag blev därför förvånad över att upptäcka att Herr Spielberg hade dränkt filmen från början till slut med traumatiska återupptagningar av den 6 september 1972, terroristattack mot israeliska idrottare i Münchens olympiska by av en palestinsk grupp som själv heter Black September, och allt detta innan en TV-publik uppskattade till 900 miljoner tittare över hela världen.
Visst skulle Herr Spielberg ha antagit att de 33 år som har gått sedan denna fruktansvärda händelse kan ha orsakat dess moraliska lektion, om någon, försvinner i minnena från dem som var tillräckligt gamla vid den tiden för att förstå vad som hände precis innan deras medieglasade ögon. Därför måste människor som är i början av 30-talet eller yngre behandla händelsen inte som minne utan som historia.
Under de mellanliggande åren har rykten spridits och till och med böcker skrivna om de dolda israeliska repressalierna mot terroristerna från Black September. Förordet till filmen säger att den var inspirerad av verkliga händelser. Det inspirerade kodordet tillåter viss (men inte mycket) berättande broderi av de fastställda fakta. Som Todd McCarthy från Variety noterar i sin uppfattningsfulla recension:
George Jonas kontroversiella hämnd anpassades en gång tidigare 1986 för den väl mottagna HBO-filmen Sword of Gideon, regisserad av Michael Anderson och skriven av Chris Bryant, om en femmans kommandoenhet som inofficiellt skickades ut av den israeliska regeringen för att mörda. de elva palestinska terroristerna identifierades som ledare i morden på 11 israeliska olympiska lagmedlemmar.
Herr Spielberg och hans scenarister har kombinerat tidens faktiska TV-filmer (med ABC-ankermannen Jim McKay och hans dåvarande assistenter, Peter Jennings och Howard Cosell) med återinspelningar av vedergällningen som sätts igång av den israeliska premiärministern Golda Meir ( Lynn Cohen) och Mossad-ärenden Ephraim (Geoffrey Rush). Mannen som valts som chef för uppdraget är Avner (Eric Bana), en före detta Mossad-agent och livvakt till Meir, som med glädje kommer ihåg Avners far. Den israeliska premiärministern hade vägrat att förhandla med terroristerna om deras krav på frisläppande av 234 palestinska fångar, liksom de tyska vänster terroristledarna Andreas Baader och Ulrike Meinhof. I ett intressant lutande samtal mellan Ephraim och Avner förklarar Ephraim den verkliga anledningen till att premiärminister Meir inte deltog i begravningen av de dödade israeliska idrottarna. Hennes officiella anledning var en släktings död, men hennes verkliga anledning, försäkrar Ephraim Avner, var att hon inte ville bli utpekad offentligt för hennes vägran att förhandla med terroristerna för de israeliska idrottarnas liv. Det är nästan som Mr. Spielberg och hans scenarister försökte skapa en parallell mellan George W. Bushs motstånd och Golda Meirs när hon förklarade: Glöm fred för tillfället, vi måste visa dem att vi är starka.
Avner instrueras att tills hans uppdrag är avslutat, kopplas han bort från något band till Mossad eller någon annan israelisk regeringsenhet. Avner är helt ensam, ansvarig för fyra kollegor och en obegränsad summa pengar som ska dras från en schweizisk bank efter behov. Detta innebär att lämna sin gravida fru Daphna (Ayelet Zurer) bakom sig utan att berätta för henne vart han ska eller något om hans uppdrag. I Europa samlar han sitt besättning: erfaren hitman och tillfällig hothead Steve (Daniel Craig), mer försiktig rengöringsman Carl (Ciaran Hinds), sprängsexpert Robert (Mathieu Kassovitz) och dokumentförfalskaren Hans (Hanns Zischler).
Deras första mål är en sympatiskt presenterad palestinsk litteraturöversättare baserad i Rom, som gruppen skickar ut utan alltför stora svårigheter. Deras andra mål är emellertid ett mer komplicerat förslag i hans lyxiga lägenhet i Paris, tack vare de oförutsägbara tillträdelserna från en fru och en liten dotter. Vi får de första antydningarna här att medlemmarna i gruppen inte är så hänsynslösa av deras ovilja att döda eller skada oskyldiga civila under lönnmordet. De kan också ströva runt i hela Europa, men inte i något arabiskt land eller i Sovjetunionen.
Ändå är en av filmens mest underhållande kvaliteter dess simulering av gatulivet i så olika städer som Genève, Paris, Beirut, Tel Aviv, Aten och London, det väsentliga i varje stad som reproduceras på produktions faktiska platser i Malta, Ungern och Frankrike. Oavsett - Mr. Spielberg visar en affinitet för pikaresken som är upp till genren högsta standard. När morden och mordförsök fortsätter och fortsätter, ökar spänningarna inom laget. När tre av de palestinska mördarna i Black September som fångats på platsen släpps efter att ett Lufthansa-plan har kapats och sedan hyllats som erövrande hjältar på libyska TV, visas några av hitlagets medlemmar som uppmanar Avner att bortse från sina officiella order att inte att arbeta i ett arabiskt land. När Avner vägrar, börjar de dåliga känslorna inom gruppen ta sig an. Det visar sig snart att Avner själv får information om gruppens mål från en mystisk fransk agent vid namn Louis (Matthieu Amalric), vars identitet är undanhållen från Avners egna förbund, till deras missnöje.
Samtidigt levererar Avners hustru en babyflicka vars nyheter förstör Avner och ökar hans tvivel om hela uppdraget. Problemet med Avner som karaktär är dock att förutom hans ständigt oroliga uppförande har han ingen som han säkert kan kommunicera sina egna känslor med. Detta är också problemet med de andra medlemmarna i teamet, vars inre känslor höljs av uppdragets hemlighet. Sedan finns det de mystiska franska källorna, Louis och Papa (Michael Lonsdale), och den sistnämnda kryptiska herrgårdens aforismer om hans engagemang i det internationella spion spelet. Herr Amalric och Herr Lonsdale, två av Frankrikes starkaste talanger, verkar monopolisera det lilla ironiska nyckfullt som finns i den dystra affären.
En av de otäckaste och till synes mest exploaterande sekvenserna är en blivande barupphämtning vid namn Jeanette (Marie-Josée Croze), som utan framgång försöker förföra Avner. Avner varnar Carl senare för frestaren i baren - men till ingen nytta, för Carl hittas död i sitt hotellrum nästa morgon med barflickans distinkta parfym över hela rummet. För att hitta Jeanette och hämnas Carl vänder sig Avner till Louis igen för tipset som placerar Jeanette i en holländsk husbåt och tillskriver hennes många internationella förbindelser (inklusive, om jag minns rätt, C.I.A.). Tre av de fyra överlevande lagmedlemmarna konfronterar Jeanette i hennes husbåt och dödar den halvnakna femme fatale mycket långsamt med en bisarr kombination av kulor och vad som verkar vara ett giftpil. Det är som om vi plötsligt kastades in i en film om rituella mördare. Senare beklagar en av lagmedlemmarna att de valde att döda Jeanette.
Poängen är att fru Crozes karaktär tycks ha införts i filmen utan kostnad för att leverera en liten bit av sensationalism i förfaranden som annars är monotona fulla av dysterhet och självtvivel. Ingen av recensionerna jag har läst hittills har nämnt den här scenen, som av någon anledning sticker ut i mitt sinne för dess slående sadistiska självupplevelse i hatens patologi.
Från och med nu börjar jägarna falla som de jagade och morden fortsätter på båda sidor i sådana problemställen som Nordirland och Vietnam. I ett tillstånd av total moralisk förvirring lämnar Avner sitt team, Mossad och Israel själv för ett nytt liv i Brooklyn med sin fru, barn och mor (Gila Almagor). Men skräck den 6 september 1972 i München kommer aldrig att lämna honom, vilket framgår i en redan kontroversiell sekvens som synkroniserar återupptagen slakt av israeliska idrottare med sin egen frenetiska orgasm under höjdpunkten av hans älskling i Brooklyn med hans tydligt oroliga fru.
Herr Spielberg, Herr Kushner och Herr Roth har valt att visa alla tvivel och tveksamheter kring användningen av terror på israelisk sida, men hur är det med den palestinska sidan? Finns det några tvivel och tveksamheter där? Herr Spielberg och företaget säger inte. De har förtjänat beröm för att de inte demoniserade palestinierna och för att de utan sinne tappade i israelernas hämnd. Men är detta ett tillräckligt uttalande om återvändsgränden mellan Israel och palestinierna som kvarstår fram till i dag? Herr Spielberg och företaget är tydligt emot våld i män och nationer - ändå påminner jag om George Orwells berömda uppsats om Ghandi och hans uppmaning till icke-våld att befria Indien från brittiskt styre. Orwell noterade att Ghandi förlitade sig på ett utbrott av upprörd världsuppfattning för att hjälpa honom. Det var allt bra, hävdade Orwell med en relativt mild kolonialmakt som Storbritannien. Men tänk om Ghandi hade provat samma taktik i Josef Stalins Sovjetunionen? Han skulle ha tystats i en sibirisk gulag på nolltid.
Jag påminns också om ett annat München 1938 när den engelska premiärministern Neville Chamberlain, den franska premiärministern Edouard Daladier och den tyska förbundskanslern Adolf Hitler förhandlade fram ett avtal som, som Chamberlain sa till de jublande brittiska folkmassorna, skulle ge fred i vår tid. Jag tar upp denna andra München eftersom jag tror att herr Spielberg är förmodig att predika fred och icke-våld för israeler och resten av oss i det samtida München, när den första München obevekligt producerade förintelsen.
Långsam väst
Tommy Lee Jones 'The Three Burials of Melquiades Estrada, från ett manus av Guillermo Arriaga, visar sig vara en bokstavligt långsamt västerländsk som spelar lika ansträngande som titeln. I den pågående debatten om illegala invandrare som strömmar över vår gräns till Mexiko går den här filmen ur sitt sätt att göra USA: s gränspatrull till en kollektiv skurk i helvetet för att förfölja ekonomiskt fattiga men andligt ädla mexikaner som helt enkelt försöker skapa ett bättre liv för sig själva i Amerika, invandrarnas land. Tommy Lee Jones spelar en lakonisk ranchchef som heter Pete Perkins, som blir vän med en mexikansk ranchhand som heter Melquiades Estrada (Julio Cesar Cedillo). De två slår upp en osannolik vänskap, som inkluderar sängkläder ner villiga unga kvinnor i ett lokalt motell. Melquiades får Pete att lova att, om det värsta blir värst, kommer han att se till att Estrada är begravd på den mexikanska sluttningen som han så kärleksfullt har beskrivit.
Men när ranchhanden hittas efter att han av misstag har dödats av en gränspatrullman vid namn Mike Norton (Barry Pepper) begravs han snabbt inte en gång utan två gånger utan någon officiell utredning om brottet. Pete är inte nöjd med att hans mexikanska vän bara har fått behandling av gränspatrullen, och han går ut på att rätta till saken genom att kidnappa Norton, tvinga honom att gräva ut Melquiades från sin grav och sedan tvinga Norton att följa med Pete och lik till offrets önskade gravplats - en plats i Mexiko som Pete aldrig har sett - med endast en grov karta ritad av den olyckliga mexikanen. Och så börjar den långa odyssey av två män med ett lik.
I vissa recensioner har nämnts sådana förment jämförbara västerlän som John Fords The Searchers (1956) och Sam Peckinpah's Ride the High Country (1962). Inget sätt, Jose - de sublima skymningssagorna om åldrande men ändå otänkbara actionhjältar har lite gemensamt med de morbid quixotiska (men prisvärt progressiva) tre begravningarna. Det som Mr. Jones film liknar närmare är den belgiska konsthitens hit The Promise (La Promesse) 1996, av Jean-Pierre och Luc Dardenne, där den 15-åriga sonen till en exploaterare av illegala invandrare trotsar sin far att hålla ett löfte som han gav en afrikansk arbetare när han låg döende av en byggnadsolycka för att ta hand om sin fru och sitt barn. Fortfarande innebär löftet en ung mans skyldighet till en död mans levande familj, inte en död mans favoritplats.
Det som gör saken värre är att herr Jones och herr Arriaga har grovt karikerat Norton och hans svåra fru Lou Ann (januari Jones) i vad som motsvarar ett fall av omvänd rasism. Herr Arriaga är inte främmande för invecklade berättelser, vilket visas i hans tidigare manus för Alejandro González Iñárritus Amores Perros (2000) och 21 gram (2003). Fortfarande håller Mr Jones nästan alla bitar av den stolt brutna berättelsen tillsammans med övertygelsen och övertygelsen om hans huvudframträdande, och Melissa Leo, Dwight Yoakam och Levon Helm är minnesvärda i biroll.
Dame Judis F-bomber
Stephen Frears Mrs. Henderson Presents, från ett manus av Martin Sherman, visar sig vara en slarvig vaudeville-vändning av de härliga trupperna Judi Dench och Bob Hoskins i vad som motsvarar en dum orgie av nostalgisk patriotism och den fängslande fulheten av stationär nakenhet. Faktum är att sagan om den vördnadsfulla Windmill Theatre, som förblev öppen i hela London Blitz, kan få vissa att vilja stå upp och sjunga There Will Always Be an England, men jag använde det mesta av min Anglophilia på Celia Johnsons rörande skål till min värsta fiende - det här skeppet och alla som seglar på det i David Lean och Noel Cowards In Where We Serve (1942) och Laurence Oliviers St. Crispins Day-tal i Henry V (1944).
Christopher Guest förtjänar ett omnämnande för sin noga lordkammare, som tillåter Botticellian-nakenhet att blomstra på väderkvarnsscenen så länge den förblir, dukliknande, inom sin ram, medan Kelly Reilly (som det livligaste stilleben, Maureen) kommer till ett dåligt slut i Blitz för att blanda några tårar med alla skratt.
Jag måste erkänna att jag blev lite underhållande av straffriheten med vilken Dame Judy kastar om det en gång fruktade F-ordet och gör ett skämt om en mans omskärelse i dessa dagar när David O. Selznick 1919 var tvungen att gå på händerna och knän för att vädja till Breen Office för att låta honom få Clark Gable säga till Vivien Leigh i Gone with the Wind, uppriktigt sagt, min kära, jag ger mig inget. Åh, hur långt vi har kommit framåt under dessa 60 år. Men varför är jag inte mycket lyckligare?
