Brittisk popsångare David Bowie i konsert på Earl's Court, London under sin världsturné 1978. (Foto: Evening Standard / Getty Images)Evening Standard / Getty Images I mina låtskrivningskurser , Tilldelar jag en vecka där eleverna ska skriva en berättelssång - ett musikstycke med en karaktär som utvecklas och tar oss med på en resa av något slag. Eleverna ser generellt på mig korsögda. En gång, när han hörde uppgiften, frågade en student: Du menar, som ... Köttfärslimpa ? Till vilken en annan frågade: Vem är köttfärs? En tredje rensade saker genom att erbjuda, Nej, han menar ungefär som 'Stan', med hänvisning till Eminemsången från deras avlägsna kollektiva barndom.
Ja. Som Stan.
För närvarande tenderar sånger - och jag generaliserar, även om populära hitlistor gör det - att finslipa ett visst ögonblick och utvidga sig till en fast känsla. Till exempel, Adele's Hello, en av de mest populära låtarna vid skrivandet, skjuter ut från ett personligt telefonsamtal för att avslöja hennes ångest över ett tidigare förhållande. Låtar med en bredare lins använder första personens plural (vi) och riktas direkt till publikmedlemmar i hopp om att generera ett samlingsrop - den allsmäktiga hymnen. (Refrängen för Fun 2011-hit Vi är unga kommer att tänka på.) EDM och elektroniska genrer kringgår hela berättelsebegreppet genom att antingen eliminera texter helt eller förflytta en sångparti till en samplad och upprepad krok. I det här fallet fungerar musiken som ett personligt soundtrack som kan tolkas på ett sätt som inte är begränsat av språket. Dess inneboende oklarhet gör att den kan skalas när andra fyller den med mening, som om det vore ljudversionen av Facebook.
Inget av detta är naturligtvis nytt för musik och jag drar inte sociologiska slutsatser om mina elever eller deras generation några har . Mitt mål i klassen är att identifiera en låt som fungerar bra eller kan fungera bättre. När det gäller de tekniker som mina elever använder, ja: popmusik är mode och kraften att charma. Hemlines går upp, hemlines går ner. Vem visste det bättre än David Bowie?
*****
Här flyter jag i en burkburk
Långt över världen
Planetjorden är blå
Och det finns inget jag kan göra
[spotify id = spotify: spår: 72Z17vmmeQKAg8bptWvpVG bredd = 300 ″ höjd = 380 ″ /]
Jag måste ha varit 11 eller så - yngre, till och med? - när jag först hörde Space Oddity. Det var efter fotbollsträning, och jag var i ett stort badkar med höga porslinväggar som jag drog upp mig för att stirra på den närliggande klockradion. Jag kommer ihåg att jag kände mig som om musiken hade slutat komma ut ur den, och istället hade en film börjat avrullas på klinkergolvet av mina klämmor och tröja medan bilder projicerade på någon ny och okänd skärm på mittavståndet. Mer än musiken, spelandet eller den röstmässiga förmågan, blev jag omvandlad av berättelsen om Major Toms rymdresa och knäppte mina fingrar otåligt på karet under gitarrsolo som om jag skulle säga sluta nudla och fortsätt med det ... VAD HÄNDER MED STORA TOM !?
Som med alla fantastiska berättelser får du bara en chans att bli lika chockad som jag var med resultatet, men när jag tänker på det nu kan jag sammanföra några av de tekniker Bowie använde för att fylla sången så briljant. Jag undrar om jag kan inspirera några av mina elever att ge berättelsesånger ett nytt utseende, inte av nostalgi, eller för att jag tycker att de skriver mindre övertygande musik nu, utan helt enkelt för att en fantastisk historia har otrolig kraft.
Markkontroll till Major Tom
En bana av berättelse låtskrivning är dialog mellan två karaktärer - eftersom du inte kan sjunga citattecken eller radavstånd, måste du spendera värdefull tid på att påminna lyssnaren, Han sa _____ / Hon sa_____ osv. Hon sa Hon sa kommer att tänka på), det är upptagen arbete att hålla en berättelse rak.
Genom att simulera tvåvägsradiosamtal gör Bowie inte bara det hektiska arbetet till en berättande berikande detalj, utan han håller karaktärerna perfekt anpassade i processen. Han börjar varje vers med samma enhet, och i slutet av låten har det blivit ett refrain i sig - en krok, i popmusikterminologi. Som ett resultat är det en av de mest igenkännliga öppningslinjerna i popmusik.
Påbörjar nedräkning, motorer på
Den överdubbade nedräkningen för lansering tjänar ett dubbelt syfte, eftersom det är en kritisk del av historien, men det är också en klassisk enhet: användning av sekvens. Från Jackson 5's A, B, C , till Feist's 1 2 3 4 , låtskrivare letar alltid efter sekvenser som drar redan inrotad kunskap in i det nya sammanhanget för låten. För Bowie satt sekvensen där, och genom att använda den i bakgrunden av hans refräneringar istället för att uppmärksamma den helt, lägger han över två krokar som enkelt är genomkomponerade i berättelsen.
Sprängningen: Den instrumentella skildringen av raketlanseringen är för mig ett av de stora ögonblicken inom popkonst. Det gifter sig med kaos, ambition, historia, den populära fascinationen för rymdresor och de växande gränserna för vad ett rockband kan göra. Jag kan bara föreställa mig vad Andy Warhol måste ha tänkt första gången han hörde det. Men i stället för att hamna utan kostnad i självkänsla, håller alla idéerna samman, tack vare den exakta berättelsen Bowie har etablerat. Historien tillåter det, precis som det tillåter den triumferande upplösningen och de roligt grattis gratulationer från Ground Control:
Och tidningarna vill veta vars skjortor du bär
Hans snabba smäll på konsumentkulturen och hans blinkning till lyssnaren, kontextualiserar oss som en del av resan. Hur snabbt minskar en kolossal mänsklig bedrift till marknadsplatsens knäsläppande girighet - men då har vi vuxit upp när vi tittar på NASCAR-förare som slingrar sponsrad mjölk i vinnarens cirkel och olympierna som förtjänar dygderna att gå till Disney World stunder efter att ha fångat guldet. Så konstigt som han dök upp på ytan, påminner Bowie oss om att han är en av oss - en främling som lyckas inte alienera.
Här flyter jag i en burkburk 
Apollo 11 månmodul. (Foto: NASA)
Space Oddity tar två väsentliga andetag i skrivningen, som vanligtvis kallas broar eller B-sektioner. Ofta ger dessa avsnitt lyssnaren en annan vinkel för att se hur det går i låten. Bowie använder dem för att bredda det musikaliska arrangemanget och tillhandahålla Toms interna monolog. För allt prat med Ground Control är han ensam där uppe, med ögonblick att reflektera över skalan hos vår art inför universum. Som Jodie Foster formulerade det i 1996: s Carl Sagan-inspirerade film, Kontakt , De borde ha skickat en poet. I Space Oddity skickade Bowie faktiskt en.
Berätta för min fru att jag älskar henne väldigt mycket
Hon vet!
Genom att göra Tom till en gift man ökar hans sårbarhet oerhört, för nu hänger kärleken också i de unga trådarna och den råa tekniken i ett ungt rymdprogram. Som lyssnare vet vi att om dessa trådar går sönder är skadan både oåterkallelig och personlig . Major Tom har ett helt annat liv - en gräsmatta att klippa, bilder inramade på hans mantel, kanske barn - som antyds i en enda kupett. Detta är ren tvålopera-drama som är avsedd att höja insatserna för uppdraget, och Bowie, en skådespelare själv, visste dess överklagande. Om dagens låtskrivare har slutat trycka på den här typen av melodramatiska knappar, kan du vara säker på att Hollywood inte har gjort det: Kärlekens kraft brinner i mitten av de senaste Sci-Fi-storfilmerna Marsaren och Interstellär , och allmänheten - som Bowie spelade till - har helt klart inte tröttnat på det.
Planetjorden är blå
Och det finns inget jag kan göra
Bowie återvänder till det filosofiska B-avsnittet när han inser att hans uppdrag är dömt, men nu har de upprepade linjerna fått en ny, tragisk betydelse: till en början reflekterar han över hur obetydligt han känner mot universums stora bakgrund; i det andra erkänner han att det inte finns något han kan göra för att rädda sig från att sväljas av det. Detta är själva definitionen av sångutveckling: att ha ett upprepat avsnitt som betyder något nytt när låtens resa har nått sitt klimax.
Den andra: Bowie visar en liten sadistisk sida genom att aldrig fullborda Toms öde: i stället för att ge oss ett slutgiltigt upplösande ackord, sjunker låten ut i tomrummet och lämnar Major Tom att snurra för evigheten. Hans avgång varar i en hel minut, eller 20% av hela låten och efter att ha empati med honom - den ömtåliga, gifta mannen som nästan var en hjälte - har vi inget annat val än att erkänna att hans öde i slutändan är vårt.
*****
Det är den typen av saker en berättelse kan göra, och det är anledningen till att jag lägger idén framför mina elever, trots dagens trender. Det är inte som om vi trots allt har tappat bort vår kollektiva aptit för fantastiska karaktärer och arketypiska intriger. Vi har inte fått nya berättelser, och vi är inte ens trötta på de gamla, som de Stjärnornas krig franchise påminner oss regelbundet. Kanske har dagens David Bowies lockats till andra, mer innovativa och berättelsevänliga former - webbserier, podcaster, videospel och så vidare. Kanske kommer våra uppmärksamhetsområden inte att rymma ytterligare en plotline under våra datatillagda dagar. Men någonstans i popmusiketern kan historiens sång fortfarande behålla sin vilande kraft och väntar på ögonblickets mode. Hemlines är definitivt nere. Kanske betyder det att det bara finns ett sätt för dem att gå.
Mike Errico är inspelningskonstnär, författare, producent, musikhandledare och föreläsande professor, med både kritikerrosade släpp och omfattande kompositionskrediter i film och TV. Han har undervisat i låtskrivning på Yale och Wesleyan och undervisar för närvarande vid NYUs Clive Davis Institute of Recorded Music. Förutom sin musikkarriär var Errico senior online-redaktör för Blandare och är en bidragsgivare till Gitarrvärlden , ASCAP Uppspelning tidningen och Cuepoint. Vänligen håll kontakten innan undertecknar sin e-postlista .
