För några veckor sedan öppnade Theaster Gates ' Håll mig, håll mig, håll mig ', hans första show med White Cubes nyöppnade utpost i New York City. Även om Gates ofta kategoriseras som en skulptör, passar hans konst inte alltid in i så snygga kategorier och sträcker sig vanligtvis till att omfatta installation och social praktik, den senare aktiverad genom hans Bygg om stiftelsen i Chicago. Det finns mer än vad man kan se i allt hans arbete, så vi pratade med honom för att höra mer om 'Hold Me, Hold Me, Hold Me', som är öppen till och med mars.
Jag förstår att din series titel kommer från refrängen från 1970-talets duett 'Be Real Black For Me' av Donny Hathaway och Roberta Flack. När träffade du den här låten för första gången? Vad tror du attraherade dig som en konstnärlig inspirationskälla?
Jag känner att Donny och Roberta har varit i mina tankar från födseln. Jag föddes '73, och 'Be Real Black For Me' släpptes 1972. Jag föddes in i soulmusiken, och jag föddes in i denna poetiska svarta glädje. Det var glädje trots komplexiteten i det svarta livet i urbana städer, men jag kan minnas ett medvetande av Roberta och Donny i min förtid, vanligtvis på en lördag när jag var tvungen att lyssna på mina systrars musik. De spelade alltid Roberta Flack, speciellt de första snitten. 'Be Real Black For Me' som ett totalt medvetande började slå mig på senare tid när jag har reflekterat över mina egna albumsamlingar. En av samlingarna som jag har är från en fantastisk svart keramiker vid namn Marva Jolly. Hennes partner gav mig Marvas album när hon dog, och Marva hade alla album av Roberta Flack. Hon fokuserade främst på kvinnliga musiker. När vi tänker på Marva och spelar hennes album har det senaste decenniet varit en verklig återspegling av dessa sätt som Black love och Blacks liv återspeglas i vår musik.
TV-serie att se 2017
Just den här låten kändes viktig eftersom den tillkännagav en harmonisk erkännande. Ofta ger Roberta den sortens basharmoni som gör att Donny kan vara flamboyant kring sina anteckningar. Hon sjunger med en slags enkelhet, och Donny sjunger med ett lite mer intensivt vibrato. Tillsammans känns de som ett par, och det är något med den duetten som kändes rätt för att reflektera över måleriet.
Du berättade nyligen Chicago tidningen, 'När jag har en utställning, är det en chans för mig att säga, 'Vad känner jag för att studera just nu?'' Vilken annan studie gick in på den här showen?
Utställningar har alltid varit en tid för eftertanke. Perioden före utställningen är den period som känns bäst, särskilt forskningen som går in på skapandet av en berättelse som kan leda till verk. För 'Hold Me, Hold Me, Hold Me' var mycket av arbetet som hände att tänka på den framtida riktningen för min målning och hur jag ville uttrycka nya skulpturella idéer. I vissa fall har dessa idéer och målningarna funnits i mitt huvud länge, som att använda färg på ficklampan, men jag försöker vara lite metodisk i hur jag vecklar ut materialet. Ju mer vi använder materialet, desto mer inser jag att det kan göra större saker, mer komplexa saker. Det kan vara platt, som på ett tak, men det kan också ha dimensionalitet, och det kan ta formen av alla saker som det rör vid. Med det föreställer jag mig att den framtida användningen av materialet i skulptur kommer att växa.
En av skulpturerna i denna show gjordes av ditt gamla piano, som du har täckt med taktjära. Vad är några av dina tidiga minnen med det pianot? Vad var ditt förhållande till musik när du växte upp?
Pianot är inte alls sentimentalt för mig. Pianots kärna har mer att göra med Donny Hathaway och Roberta Flack som stora musiker. Pianot rymmer svart musik, det håller sin tid på Howard University, det reflekterar över vår kunskap om klassisk träning och improvisation tillsammans. Handlingen att tjära det är det här pågående samtalet jag har om bevarande och död. Att bevara detta piano som har funnits i mitt liv under lång tid innebär att jag gör det oanvändbart. Det känns som skulptur ibland. Handlingen att fixera eller använda tjära som fixeringsmedel och konserveringsmedel. Det är också konstigt vad museer gör. Det gör saken tillgänglig i framtiden genom att göra den helt värdelös.
SE ÄVEN: Cindy Sherman utforskar våra fotoredigeringsberoende på Hauser & Wirth
Det är rättvist att säga att jag känner att det hände en del uppdelning i mitt musikliv. Min pappa lyssnade inte på kyrkomusik, och min mamma, åtminstone när jag var ung, lyssnade inte på så mycket sekulär musik. Så när jag lyssnade på min tids musik lyssnade jag på den med mina systrar. Jag var också personligen intresserad av Pat Metheny, John Patitucci, Dave Weckl, Johnny Hodges, Nina Simone – jag var intresserad av jazzens och soulens kanoner och lite klassisk men också ny jazz och experimentellt ljud och elektronik. På gymnasiet lyssnade jag mycket på Depeche Mode eftersom det var det som fanns omkring mig. Då och då ägnade jag mig åt lite Joni Mitchell. Jag tog in allt och konverterade det till baptistkyrkans psalmer hela tiden. Jag ska erkänna att det ger mig mycket nöje att göra musik med munkarna, men det gör också att göra en framgångsrik målning.
Din praktik omfattar skulptur, installation, prestanda och urbana interventioner. Finns det ett medium som är mer glädjande än de andra för dig? Finns det någon som är roligare?
Jag tycker inte att min praktik sträcker sig över eller förkroppsligar flera strategier. Jag känner att jag har en övergripande filosofisk princip, eller så har jag en uppsättning övertygelser, och jag använder vilket material jag vill för att uttrycka den uppsättningen av övertygelser. Jag tror att en del av anledningen till att det finns så mycket kontinuitet mellan byggnader och objekt och offentliga ingrepp är att det hela flyter ur en uppsättning värderingar, och jag tror att de värderingarna är konsekventa. Denna uppsättning värden inkluderar att känna igen och respektera kraften i objekt; investera i ritualer; att välja att vara en kanal för idéer; att föreställa mig förhållandena – bra och dåliga – runt mig som förhållanden som jag ska svara på och som mitt arbete ska vara en del av. Om villkoret är att det finns en övergiven byggnad bredvid mitt hus så borde jag göra något åt det. Jag använder mina verkliga grannskap för att bestämma mitt nästa projekt.
I höstas firade du 10-årsdagen av din Rebuild Foundations Black Artists Retreat. Vad har du lärt dig av tio års iscensättning av retreaten?
När jag tänker på Black Artists Retreat 2013 och när jag ser Njideka Akunyili Crosby, Amy Sherald, Lynette Yiadom-Boakye och så småningom Deborah Roberts, och deltar i The Gathering in Kenya med Michael Armitage, så inser jag att detta sista decennium av svart konstnärlig praktik har fyllts med otroliga nya möjligheter för svarta och bruna kreativa. Genom att ha sammankallat så många artister under det senaste decenniet inser du också att artister behöver varandras berättelser för att bli bättre på det vi gör. Under åren har vi gett varandra råd om hur man kan navigera i marknadens komplexitet; vi har stöttat varandra i höga och låga tider; och många artister träffades på retreaten och blev livslånga vänner och ibland partners. Att träffas är en kraftfull handling, och det kräver inte institutionell intervention för att det ska hända. Jag är tacksam för att jag är sammankallande och för alla andra människor som har varit värd för fantastiska sammankomster före och efter mig.
Andra verk i denna show är hämtade från arkiven av Ebenholts och Jet . Läste du dessa tidningar när du växte upp? Vad är ditt intryck av dem nu?
Jag kan minnas att jag använde Jet tidningen och tittade på TV-listorna så att jag visste när Sanford and Son eller Good Times skulle komma. Tidningarna fanns alltid. De var som en förlängning av svart medvetande. Det var inget jag minns som en individuell handling, snarare var det en del av livet att vara i mitt hus. Nu har de samma vikt som Encyclopedia Britannica. Det är ett otroligt referensverktyg för den 'magra' svarta livet vecka för vecka.
Jag vet att det finns en mängd böcker, tidskrifter och annat material att hitta på din stiftelse på South Sides Stony Island Arts Bank. Vad är några andra personliga höjdpunkter från din samling där?
Mina samlingar är speciella eftersom det finns så mycket som jag inte har packat upp. En del av glädjen med att ha kollektioner är att de konsekvent ger mig en möjlighet till förundran. På senare tid har jag lyssnat på mycket soulmusik från Dr. Wax skivbutiker i Chicagokvarteret, en av mina tidigaste albumsamlingar. Jag har tittat på bokstavskonst från en liten samling konstnärsböcker som jag fick från en bokhandel i Cleveland, Ohio. Produktionen som pågick under 1960-talet och början av 1970-talet inom vit amerikansk konst var superintressant. Det gjordes mycket skrivmaskinskonst, dagboksbaserat skrivande och personliga känslor tillgängliga för allmänheten. Man kunde känna att konstnärer arbetade med mindre ekonomiska resurser och ofta en annan sorts kreativ impuls. Det var lika biografiskt som konceptuellt. Att ha dessa arkiv är som att ha fler konstvänner runt mig hela tiden.
