Venedigs 59:e biennal , 'The Milk of Dreams', öppnade i april förra året placerad under Leonora Carringtons surrealists tecken namne barnbok . En mycket efterlängtad händelse som återupptas för första gången sedan pandemins början, Biennalen förankrar sig skenbart i feminism. Herde för första gången av en italiensk curator, Cecilia Alemani (direktör och chefskurator för New York Citys High Line), inkluderar den också en aldrig tidigare skådad majoritet av kvinnliga konstnärer, som visas upp på olika platser i staden.
Alemanis konsthistoriska förslag om surrealism tar form i fem 'kapslar' utformade för att poetiskt återbesöka tre föreställningar lånade från den italienska samtida filosofen Rosi Braidotti : människans periferi, att bli-maskin och att bli-jord.
I 'Häxans vagga', en av de mest spännande av sådana kapslar som finns i biennalens centralpaviljong, tjänar formatet till att diskutera aspekterna av en 'ny kvinna' och återinföra verk av glömda eller förbisedda kvinnliga konstnärer, såsom algeriska- född Tillbaka Mahieddine (född Fatima Haddad, 1931-1998) som började ställa ut i Paris vid 16 års ålder, eller kongolesisk född Antoinette Trench (1895-okänt), banbrytande modernt berättande i en tid av utbredda koloniala massakrer.
Ändå skisserar dessa kapslar tillsammans, hur informativa och pedagogiska de än är, en förvirrande historisk bild av surrealismen reducerad till en sammansättning av olika element och kvalificerare – galna, kusliga, längtansfullt nostalgiska, mytologiska, proteaniskt andliga, sexuellt flytande – som följer Zeitgeisternas krav. av inkludering och mångfald men ur vilken ett sammanhållet argument kämpar för att växa fram. Är surrealism bara djärv, queer och besvärlig?
Till exempel ett muntert dokumentärklipp av en sensuell och bekymmersfri dans Josephine Baker (1906-1975) påminner om hennes avantgardistiska status i mellankrigstidens Paris, men är det nödvändigtvis 'surrealistiskt' undrar vi.
Franske filosofen André Breton, författare till Surrealistiskt manifest (1924) hade definierade surrealism som en 'psykisk automatism i dess rena tillstånd, genom vilken man föreslår att uttrycka - verbalt, med hjälp av det skrivna ordet eller på något annat sätt - tankens faktiska funktion.' I grund och botten, ett revolutionärt, icke-konformistiskt och frigörande projekt 'dikterat av tanken, i avsaknad av någon kontroll utövad av förnuftet, befriad från varje estetisk eller moralisk oro.' Det handlar om att gräva fram medvetslöshet för att släppa lös ologiska, absurdistiska, debriderade renderingar av drömliknande händelser och tvångstankar som belyser bredare teman.
Alemanis inkludering av historiska pionjärer som t.ex Varus botemedel (1908-1963), Leonora Carrington (1917-2011) och Cecilia Vicuna (f.1948) visar mer övertygande än andra medverkande konstnärer att surrealism först handlar om en omförhandling av verkligheten, ett fundamentalt hopp och fräckhet, en oapologetisk kupp mot omöjligheten som överskrider det estetiskt konstiga och vågade med en reflektion över perception, existens och alteritet. .
Vicuña, som fick ett Gyllene Lejon för livsprestation tillsammans med Katharina Fritsch, ombildar förtryckt agerande och etisk rensning genom matsmältning i Ätaren (2019). I konstverket som konstnären var tvungen att måla om från ett original från 1970-talet äter en naken kvinna människor och stirrar snett på åskådaren, vilket gör oss delaktiga i hennes dröm att äta 'evil doers' för att 'smälta dem, och göra avföring av dem för min skit att gödsla landet, så att en ny civilisation kan födas.” Ja tack.
I Venedigs Arsenale bort från Giardinis centrala paviljong, en generation ifrån varandra, kubansk tryckare Belkis Ayon (1967-1997) och mexikansk målare Philip Baeza (f. 1987) utforskar ögondjupet som flerdimensionella portaler och omtolkar den själsbejakande egenskapen hos Varo-liknande silhuetter – skarpt flytande, kusligt hemsökande, befallande i sin tystnad.
På liknande sätt föra nutida insikter till välbekanta former Macao-baserad konstgrupp 'YiiMa' vrider andan från renässansfresker och Michelangelos Sixtinska kapells tak med en konsthistoriskt inspirerad 'Allegory of Dreams' där scener av Macaos moderna kultur möter eminens från luften.
Utomjordiska varelser är ofta föremål för biennalens konstnärliga utforskningar – från arkeologiska och prometeiska med libanesiska konstnärer Ali Cherri (f.1976) till transhumanistiska, kinetiska experiment av Yunchul Kim (f. 1970) i Republiken Koreas paviljong och den organiska, fjäderiga och glidande koreografin av Undervisningsträdet från Muhannad ShonoMer (f. 1977) representerande Saudiarabien . I denna undermedvetna labyrint, de spektrala jättefigurerna av kongolesisk konstnär Sandra Muginga bjud in till en symbolisk speleologisk resa till en lime-upplyst pseudo-kyrkogård, i kontrast till den frodiga gröna Dyra Okoyomon s trädgård (passande berättigad Att se jorden innan världens ände , 2022) som har totemliknande matriarkaliska karaktärer som försiktigt omkörs av livsfjädrade klättrande vinstockar.
Heliga kosmogonier – återuppfunna, omtolkade, omklassificerade – omförhandlar gränserna för det heliga och svarar på Alemanis kuratoriska önskemål om en omförtrollning av en mycket orolig värld. Zimbabwes konstnär Portia Vad de har sett (f.1985) dyker in i släktmytologin i nya verk där oneiriska gestalter svävar, inlindade och upphöjda. I Fångst av ugglor ( Fångade ugglor ) 2022, Zvavahera skildrar en grupp ugglor och knästående humanoida söner i ett livmoderliknande hölje av ett himmelskt mörker, som blandar midnatt och preussisk blues med plommonpigment. Denna mystiska kavernösa sammankomst står i kontrast till den dominikanska konstnärens eteriska storskaliga, sireniska folkmålningar Firela Báez.
'The Milk of Dreams' har också gett ett utrymme för artister att placera sina kroppar i förhållande till sin plats i världen. ' Paradise Camp ”, värd på Nya Zeelands nationella paviljong undergräver briljant den vita blicken och orientalismen genom kraftfulla bilder av Sāmoas Fa'afafine, eller tredje könet. Och när de inte är riktade mot tradition och Paul Gauguins lurande 1800-talsrepresentationer av Stillahavskvinnor, andra konstnärer, som palestinska Noor Abuarafeh (f.1986) och koreanska Myung-Hee Oh (f.1956) på Palazzo Mora, utmanar det historiska förtrycket av museer som replikerar kolonialt våld och det sårande arvet från 'tröstkvinnor' som misshandlades och torterades under Japans ockupation av den koreanska halvön (1910-1945).
I andra premiärer välkomnar årets biennal ytterligare förstagångsdeltagandet av Omanska sultanatet , i en grupputställning som handlar om mänskligt liv som relik och minne; Ghana , utmärkt representerad i 'Black Star – The Museum as Freedom;' och den Kirgizistan med Firouz Farman Farmaian s skuggor av post-islamisk revolutions fördrivning och härkomst, som visar en enorm kreativ potential utanför konventionellt kartlagda västerländska projektioner, fortfarande mycket underutnyttjade.
Om biennalens historiska kapslar handlar om att stirra i backspegeln, förväntar man sig att resten av utställningen ska tala mer uttryckligen till det aktuella, och tidlösa om någon. Medan enskilda konstverk förmedlar de blandade föreställningarna om metamorfoser och oneiriska kontemplationer, saknar biennalen kollektivt att släppa taget från estetiska och figurativa begränsningar, att vara kärlet för Bretons 'rena tillstånd' och att på ett meningsfullt sätt utmana en rationell ordning med teman som är så välbekanta och välkända. integrerat i nästan alla större konstevenemang under de senaste decennierna.
Biennalens Giardini exemplifierar ytterligare ett sådant dejavus. Intill Central Pavilion finns de stora namnen: Simone Leigh (vinnare av Guldlejonet för bästa deltagare i huvudutställningen), Sonia Boyce (vinnare av Guldlejonet för bästa nationella deltagande), samt Zineb Sedira (Special Mention), som representerar de nationella paviljongerna i USA, Storbritannien och Frankrike i installationer som i stort sett behagar utan att ställa nya, oformulerade frågor.
Det har skrivits mycket om dem som naturligtvis beror på talang, såväl som asymmetrisk tillgång, med tanke på att de flesta icke-västerländska artister krävde flera tusen ytterligare steg till Arsenale och på utspridda platser utanför platsen i staden för att ses, och dagar att se det hela på ett dyrt turistmål. Denna privilegierade geografi - en bekväm minibiennal inom omkretsen av Giardini som har fått oproportionerlig uppmärksamhet i mainstream - förstärker västerländsk dominans för upptagna besökare. Och vem säger realistiskt nej till en snabb och effektiv rundtur?
Föreställ dig nu konsten som en omfamning och ett slag, som en immateriell bro mellan solidaritet och universalitet. Föreställ dig, varför inte, Frankrike lånar ut sin nationella paviljong till malagasiska eller maliska artister, eller den amerikanska paviljongen som är värd för kubanska eller iranska artister. Bara föreställa.
Hur känns det, surrealist?
