Judith Slaying Holofernes , Artemisia Gentileschi.Creative Commons Konsthistorien kan låta som en korvfest. Var är alla damer? Naturligtvis finns de i målningarna, antingen som en idealiserad version av sig själva (i formella porträtt), som objekt av önskan (nakenbilder), som föremål för vördnad (Jungfru Maria), som objekt av sado-masochistiskt, religiöst intresse (kvinnliga helgons martyrdömen), som gamla gudinnor (Venus eller Diana) eller som sexuella mål för gamla gudar (illustrationer från Ovidss Metamorfos ). Men hur är det på andra sidan duken? Stoppa nästan vem som helst på gatan och be dem att namnge en stor kvinnlig konstnär, och chansen är att de ger dig ett modernt namn, Marina Abramovic eller Tracey Emin, kanske. Men kunde de nämna någon som levde före första världskriget?
Jag frågade några konsthistorikerkollegor, och till och med de har problem med att komma med mer än en handfull namn (och de erkände också att de återkallade namnen, men utan att ha sett verk av konstnärerna). Tack och lov, det finns några större utställningar som har fört förmoderna kvinnliga konstnärer till sent.
New Yorkers kommer att ha haft turen att delta i förra årets Vigée Le Brun: Kvinnakonstnär i det revolutionära Frankrike på Metropolitan Museum of Art . Men det största namnet, och kanske den enda kvinnliga renässanskonstnären du kanske har hört talas om, finns för närvarande i en blockbusterutställning i Rom: Artemisia Gentileschi och hennes tid på Museum of Rome i Palazzo Braschi.
Artemisia Gentileschi (1593-1656) är känd, men mest av fel skäl. Hennes är en operaberättelse om sex och våld - en verklig jakobisk hämndstragedi, som alltför ofta överskuggar hennes målningar. Det äldsta barnet till en berömd målare, Orazio Gentileschi, strålade omedelbart som familjens ledande talang och arbetade i sin fars ateljé tillsammans med sina bröder. Eftersom hennes far, som så många Rom-baserade konstnärer i början av 1600-talet, blev förbluffad av Caravaggios arbete - hans dramatiska, realistiska, våldsamma, dynamiska, spotlight-dukar talet om Rom och såg ingenting ut som något verk som hade kommit framför dem - också hon antog denna stil och kan betraktas som en andra generation av Caravaggisti.
Caravaggios stil var så ny och populär att konstnärer strömmade för att imitera honom - även de som var utbildade i rivalen, mer etablerad akademisk stil främjad av Carracci-akademin i Bologna - något han inte kunde följa. Han stämde eller hotade och antog våld mot människor som apade hans stil (eller överkokta hans kronärtskockor, som en olycklig servitör fick reda på). Men av alla efterliknarna är det bara två (åtminstone i mina tankar) som utmärker sig eller har överträffat Caravaggio själv. Även om det är en subjektiv åsikt (men som delas av många), tror jag att Artemisia var på Caravaggios nivå, kanske ett A till hans A + (jag föredrar henne Judith Beheading Holofernes till hans, eftersom det känns mer som en kastreringshämndsfantasi, vilket naturligtvis är vad den bibliska berättelsen handlar om). Och den enda konstnären som överträffade honom var förmodligen den väldigt underskattade Ribera.
Medan Caravaggios livshistoria handlar om mord och kaos är Artemisia lika mörkt. Hennes mor dog när hon var tolv, och hon blev offer för svartsjuka för sin anmärkningsvärda förmåga, ofta anklagad för att ha fått hjälp av sin far eller bröder. Men det avgörande ögonblicket i hennes karriär var tyvärr en hemsk stund. En målare som heter Agostino Tassi, anställd av sin far för att undervisa henne, våldtog henne tillsammans med en annan angripare, Cosimo Quorlis. En vän till Artemisia, en familjehyresgäst som heter Tuzi, hörde hennes skrik om hjälp men ignorerade dem.
Men historien blev mer komplicerad. Om Tassi, som redan är gift, skulle gifta sig med Artemisia, kan ansiktet räddas (kom ihåg att detta var den 17thårhundrade). De fortsatte sina sexuella relationer, Tassi strängade Artemisia tillsammans med förväntan om äktenskap. Hennes far, Orazio, visste om detta men behöll mamma för att bevara familjens ära. Det vill säga tills det blev klart att det inte skulle bli något äktenskap. Vid den tidpunkten stämde Orazio Tassi, och en rättegång som väckte intensivt intresse skulle sträcka sig över sju månader.
Rättegången var en skräckuppvisning, både bokstavligt och när det gäller berättelserna som den rörde sig till ytan. Tassi, visade det sig, hade planerat att mörda sin fru och hade haft andra älskare när han fortsatte med Artemisia. I en extremt pervers praxis torterades Artemisia för att verifiera sitt vittnesbörd - antagandet var att hon skulle motstå tortyren i sanningens namn eller erkänna att hon ljög för att undkomma den. På grund av tidens lagar hade gentileschierna inget fall om de inte kunde bevisa att Tassi hade tagit Artemisias oskuld, vilket liknade att förstöra Gentileschi-familjen ekonomiskt, genom att göra den potentiella medgiftsbärande dottern ogiftbar.
Rättegången slutade minst sagt tillfredsställande. Tassi dömdes till ett års fängelse, men tjänade inte en dag. Men Artemisias berättelse förbättrades från och med den mörka punkten. Bara en månad efter rättegången ordnade Orazio ett ordnat äktenskap för sin dotter som skulle visa sig fruktbart. Hon flyttade till Florens med sin nya man, Pierantonio Stiattesi, en konstnär med liten anseelse men en stödjande figur. De hade en dotter, och Artemisias karriär blomstrade nu ur skuggan av Rom och hennes familj. Hon fick uppdrag från Medici i Florens och Charles I i England. Hon blev vän med Galileo och var den första kvinnan som infördes i Florens Accademia delle Arte del Disegno, som grundades 1563 på initiativ av renässanskonstnären, arkitekten och historikern Giorgio Vasari.
Om inte Vasari hade vi kanske tappat spåren av de få kvinnliga konstnärerna från renässansen. Vasari är mest känd för att ha skrivit en gruppbiografi om artister, med utgåvor 1550 och 1568, kallad Liv av de mest framstående målare, skulptörer och arkitekter . Detta anses vara det första verkliga konsthistoriens verk, och hans syn på konst färgar till stor del hur vi anser konst till denna dag. Även om Vasari levde en generation före Artemisia, är det tack vare honom att vi känner till några underbara kvinnliga konstnärer från renässansen.
Sofonisba Anguissola och hennes tre systrar, Lucia, Minerva och Europa, bodde och arbetade i Cremona. Om Sofonisba skrev Vasari: Jag såg i hennes fars hus en målning av hennes hand gjord med stor flit som visar hennes tre systrar som spelar schack och med dem en gammal hembiträde, med sådan flit och uppmärksamhet att de verkligen verkar leva och saknar ingenting men talets kraft. Han fortsatte med att skriva att hon har visat större tillämpning och bättre nåd än någon annan kvinna i vår tid i hennes strävan efter att rita; hon lyckades således inte bara att rita, måla och måla från naturen, att kopiera utmärkt från andra, utan själv har skapat sällsynta och mycket vackra målningar. Vasaris beröm av kvinnliga konstnärer är färgat med en viss kvinnohat, visst (han låter nästan förvånad över att hon som kvinna kunde skapa sina egna sällsynta och mycket vackra målningar). Men han kände igen hennes talang.
Familjen Anguissola var kremonesisk aristokrati, vilket kan dras av det faktum att de alls hade tid att studera måleri och spela schack. Deras far, Amilcare Anguissola, var inte en konstnär, till skillnad från de flesta förmoderna artister. Snarare var han en rik, kärleksfull far som gav sina döttrar en lysande utbildning och uppmuntrade deras kunskaper inom konsten utan att oroa sig för deras äktenskap - en lyx som deras rikedom och adel tillät. Sofonisba skulle resa till Rom för att möta Michelangelo och blev senare domstolsmålare för kung Philip II av Spanien. Hon levde ett långt och rikt liv, inklusive att starta sin första make för att gifta sig med en sjökapten, som hon stannade med i 40 år. Vid 92 års ålder satt hon för ett porträtt av den unga Antony Van Dyck under sin vistelse i Genua.
Sofonisba nämns i Vasaris berättelse om en annan kvinnakonstnär, Properzia de 'Rossi från Bologna (förlåt Vasari hans kvinnohat, om du vill - det var ganska feministiskt av honom att alls inkludera kvinnliga konstnärer i hans historia): [kvinnor] har inte heller varit skäms över att lägga sina ömma vita händer på mekaniska saker och mitt i marmorens grovhet och järnets grovhet för att följa deras önskningar och ge berömmelse till sig själva, liksom vår Properzia de 'Rossi, en ung kvinna som inte bara talang i hushållsfrågor, men i oändliga former av kunskap som är avundsjuka på både män och kvinnor.
Properzia hade en uppriktigt konstig, men anmärkningsvärd specialitet: hon kunde hugga små figurer i persikogropar. Ett av Properzias mest invecklade verk involverade att skära hela Kristi passion, gjord i vackraste snidning, med ett stort antal figurer förutom apostlarna och korsfästelsens ministrar. Properzia's Passion Pit skulle vara ett fantastiskt namn för en kvinnlig konstnärs nattklubb.
Men varför exakt var det så få kvinnliga artister före 20-taletthårhundrade? Det finns en uppenbar anledning och en något mindre anledning. Den första är att kvinnor engagerade sig i ett begränsat antal yrken fram till den industriella revolutionen, och verkligen in i 20thårhundrade. Hantverk, som målning och skulptur, var en mans jobb nästan uteslutande, utan någon särskilt god anledning än sedvänja. Kvinnor från renässansen var vanligtvis nunnor, fruar och mödrar, prostituerade eller hade mycket enstaka andra positioner (sjuksköterskor, pigor, väntande damer, tvätträtter, sömmerskor etc.)
Den mindre uppenbara anledningen har att göra med studiosystemet, som fanns på plats och var utbrett bland konstnärer fram till den industriella revolutionen, och i vissa fall bortom. De flesta konstnärer genom historien tränar som lärlingar, ofta från början av åldern 8, bor och arbetar med en mästare. Åldern 16 eller 18 år fick de möjlighet att stanna kvar som betald assistent, eller slå ut på egen hand för att bilda en egen studio. För att starta en egen studio var en ung aspirant tvungen att skicka ett mästerverk till den lokala grenen av målarens gilde, ett slags proto-union som kontrollerade kvaliteten och kvantiteten av konstnärer som arbetar i deras region (vanligtvis kallad Guild of Saint Luke, som var skyddshelgon för målarna). Detta är den rätta definitionen av mästerverk: det verk som en konstnär bedöms för att avgöra om de är tillräckligt bra för att bli mästare och öppna sin egen studio.
Lärlingar och assistenter, som bor och arbetar tillsammans 24 timmar om dygnet, kan vara besvärliga och inte hjälper till att arbeta om situationen vi samarbetade med tanke på rasande hormoner hos 12-16-åringar. Så om inte en ung kvinna var rik nog att ha en anställd konstlärare, eller om hon inte var i en arbetande konstnärs familj, skulle hon inte ha chansen att utöva konst. Fram till 19thårhundradet, då konstnärsmaterial började produceras på fabriken, var pigment, dukar och paneler dyra, ofta oöverkomligt, såvida de inte köptes som en del av en betald provision. Således fanns det ingen tradition av att göra konst bara för skojs skull på grund av kostnaderna. Så det är inte förvånande att det bör finnas relativt få kända kvinnliga konstnärer före den moderna eran, när konstområdet, som de flesta yrken, öppnade sig med en ständigt ökande nivå av jämlikhet.
Studior finns fortfarande (överväga Damien Hirst och Jeff Koons idag, de två bästsäljande konstnärerna i historien, som designar och övervakar skapandet av sitt konstverk, men faktiskt inte gör det själva, deras team av assistenter gör det mesta av praktiska arbete). Men det gamla guildsystemet upplöstes med den industriella revolutionen, och konstnärligheten är inte längre låst för det ena könet eller det andra.
Det är kanske ironiskt, men bara att de allra flesta konsthistoriker är kvinnor. Även om kvinnliga konstnärer från tidigare epoker var värdefulla få, leder kvinnor nu studien av konst med enorm marginal och överträffar män i stora auktionshus (men inte alltid högst upp). Så kanske i framtiden kommer vi att lära oss ännu mer om de tidigare kvinnliga artisterna.
Detta är det senaste i Braganca Arts ' ny serie Hemligheter och symboler , av författaren och konsthistorikern Noah Charney. Hans nästa bok handlar om Giorgio Vasari och hans inflytande och kommer att publiceras av Norton nästa höst.
