Modellerna går på landningsbanan vid Alexander Wang Spring 2011 modeshow.Slaven Vlasic / Getty Images Alexander McQueens 2011Savage Beautyvisa galvaniserade och betonade den ofta glömda uppfattningen av mode som legitim konst. McQueen var en konstnär och en ikon i varje bemärkelse av ordet. Hans verk rörde delar av den mänskliga själen som bara tidigare nås av mästare. Han integrerade anda och energi i sina skapelser på ett sådant sätt att personer som bär hans bitar blev levande uttryck för konst.
Vogue chefredaktör och modeikon Anna Wintour har också blandat konst och mode de senaste åren. Hon hjälpte till att integrera kostymdesign som en del av den permanenta konstsamlingen på Metropolitan Museum of Art. Genom sitt engagemang på museet bidrar Wintour till legitimering av mode som konst - museets kvalitetskonst .
Historiskt sett har mode sällan höjts till samma storlek som målning, musik, skulptur eller arkitektur. Men mode är ett av de renaste uttrycken för konst eftersom det är det konst levde dagligen. Man behöver bara tänka på banbrytaren Marina Abramović och hur hon engagerar betraktaren för att bli en del av sitt arbete för att förverkliga sambandet. Under hennes 2010 Artisten är närvarande MoMa-utställning bad Abramović tittaren att sitta tyst mitt emot henne och stirra på varandra så länge tittaren ville se och bli tittad på.
Precis som i Abramovićs performancekonst skapar modedesignern konstverk som behöver en annan person för att den ska vara färdig. Mode existerar bara så länge det finns en skådespelare som inkarnerar det. På det sättet är det performance art. Personen som bär det designade stycket har en konversation med designern och en publik. Han eller hon blir en konstnär och en full deltagare. Mode är en manifestation av mänsklig konst och kommunikation. Det hjälper oss konstnärligt att kommunicera vem vi är, vem vi vill vara, vart vi ska och var vi har varit.
Konvergensen mellan konst och mode är symbiotisk. Allt som finns och omger oss är en produkt av det samhälle vi lever i. Vem vi är, vad vi ser och vad vi upplever är sammankopplade och sammanhängande. Det finns ingen plats vi kan peka på och säga att det här eller det andra objektet inte tillhör konstens sfär. Man kan berätta lika mycket om en kultur av de målningar den producerar som av klänningar och klädesplagg som den använder för individuellt och kollektivt uttryck. Vi köper nu dukar och textilier för att måla och skapa. Genom att kombinera olika medier för att skapa konst är vi bättre i stånd att överskrida våra liv och i processen ansluta till essensen och universaliteten i vem vi är.
Konst bör inte ses som en lyx. Det är ett väsentligt inslag i ett tillfredsställande liv. När någon av mina samlare går igenom en stor livsförändring, till exempel skilsmässa eller inleder en ny karriär, föreslår jag ofta att man byter konst och kläder. Ofta förbiser vi denna kritiska bit i vår egen självutveckling. Konsten vi väljer för oss själva och vår fysiska livsmiljö kan tjäna som ett viktigt verktyg för att tänka om och återuppbygga vår känsla av att vara.
All konst är genomsyrad av den energi och passion som en konstnär andas in i den. En målning har kraft. En ordentligt tillverkad tweedjacka har kraft. Deras energi kan hjälpa oss att förverkliga våra fysiska och känslomässiga mål och önskningar. Många av mina samlare har upptäckt att konsten de bär och omger sig med inte bara påverkar deras resultat i affärer eller arbete utan också deras egen känsla av välbefinnande och lycka.
Konsten vi bär och lever med är konsten vi blir. Konst - mode och annat - reflekterarvilka vi äroch vem visträva efter att vara.
Georges Berges är ägare till Georges Berges Gallery i SoHo, NYC och Berges Creative Group, ett konstrådsföretag som främst handlar om sekundärmarknaden. Följ honom på Twitter @ georgesberges och Instagram @ georgesbergesgallery .
