Grovt, otäckt och skamlöst är tre ord som ganska noggrant beskriver Adam Sandler-filmer i allmänhet och 50 första datum i synnerhet. Liksom hans valentine The Wedding Singer från 1998, parar denna påstådda nya komedi den leverwurst-ansikte Saturday Night Live-alumnen med en brusig, vidögd Drew Barrymore, som gör ett trevligt jäsmedel för den fula, nötande och läskiga personan som Mr. Sandler (och ett alltid förbryllande broderskap av vilseledande filmkritiker som livnär sig på smaklöshet) kallar förmodligen stil. Ändå finns de vanliga jackassgaggen och den sjukliga, sophomoriska sentimentaliteten här i överflöd: homosexuella skämt, brutala slag, gamla senila människor som pratar smutsiga och den patetiska coterie av sociala och medicinska missanpassningar som behandlar Mr Sandlers portfölj av lager moronic slackers som champs och hjältar.
Den obefintliga handlingen omarbetar Harold Ramis film Groundhog Day från 1993, där Bill Murray spelade en cynisk väderman dömd att återuppleva händelserna den 2 februari om och om igen tills han lärde sig att bli mer empatisk gentemot Punxsutawney-gnagaren och letade efter dess skugga. Om hans karaktär fastnade i skärselden dömdes Drew Barrymores karaktär, Lucy, till limbo. Ett medicinskt fenomen som bara lever i krossad tid, hon är en konstlärare som fick en huvudskada i en bilolycka. Nu tappar hon sitt korttidsminne varje kväll och vaknar varje morgon och tror att det är dagen för olyckan igen, vilket också är hennes fars födelsedag. Av skäl som du inte vill veta, följer hennes hatfulla pappa (Blake Clark), steroidpumpade bror (Sean Astin) och olika inhemska huladansare (försummade jag att nämna allt på Hawaii?) , till och med titta på en återupprepning av The Sixth Sense varje kväll och förvirra chock och överraskning varje gång Bruce Willis visar sig vara ett spöke. När illusionsterapin blir uttråkad, går Sandler in som marin veterinär och erövrare av damturister som heter Henry. Han faller för Lucy i samma ögonblick han upptäcker henne i en matsal och gör ett hus av en bunt våfflor. Hon gillar att sniffa på fingrarna för att de luktar makrill. Det är bara den illamående rena delen. De illamående smutsiga delarna angriper det som finns kvar av din egen hjärna snabbare än vad du kan säga Farrelly Brothers.
I varje Adam Sandler-film läggs kul på homofile, äldre medborgare, paraplegiker, människor i trånga soptunnor och rullstolar. Men är det inte nyfiken att den enda personen som ser skadad och submental ut i alla dessa filmer är Adam Sandler själv? I de motbjudande 50 första datumen verkar hans brister ännu dödligare än vad de gjorde i den bedövande pretentiösa Punch-Drunk Love. Medan det lama manuset av George Wing pads sig till en oupphörlig funktionslängd på 95 minuter med en serie oändliga datum där Lucy tycker att hon träffar Henry för första gången, kompenseras de repetitiva kyss-och-gos-scenerna av regissören Peter Segals åtagande att utöva överdrift. I varje skede av romantiken smälter filmen in i så mycket scatology och barnslig tonåren att det verkar ha varit regisserad av Mr. Segal med ett finger i halsen. Herr Segal är mannen som är ansvarig för Anger Management och Nutty Professor II: The Klumps, bland andra imbecilic skändor, så ingen kommer sannolikt att komma in i denna krypta på jakt efter subtilitet, friskhet eller stil.
Men även efter Hollywood-standarder, vilken typ av sinne slår dig med en kombination av denna mycket toaletthumor och fysiska övergrepp samtidigt? Förbered dig på grymma dagisbitar om blåmärken testiklar, en valross som kräks kraftigt och en nästan hermafrodit. (Skulle inte den ena eller den andra ha räckt?) Lucys far imiterar grymt och hånar sin sons talhinder. (Är inte den unga mans överdrivna pecs tillräckligt?) Vi uppmuntras alla att skratta upprörande över en hjärnskadad mentalpatient, och ett sjukt skämt om Gary Buseys nästan dödliga verkliga motorcykelolycka faller lika platt som elefantgödsel. Sedan finns det den hammiga, överdrivna föreställningen av den eviga Sandlers repertoriska sidekick Rob Schneider, som en hawaiiansk missbrukare med mörk hud och pidgin engelska som fortsätter att hitta nya sätt att riva såren på magen från en hajbit.
Dumt, grovt och avgrundsmässigt otrevligt, det här är den typ av film som får dig att be en riktig live tiger-tand skulle dyka upp mitt i en scen och göra några permanenta skador av sig själv. Nu finns det ett grymt skämt som verkligen skulle lämna mig i stygn.
Översexad trio
Bernardo Bertolucci's The Dreamers är en film som svettas till kommando, men misslyckas med att hålla uppmärksamhet, för all hype och kontrovers kring dess kinky sex och fullständiga manliga nakenhet. Det är besvärligt och irksomely unsexy. Berusad av film och Kama Sutra har Bertolucci i sina sista filmer övergett de hormoner som han körde Marlon Brando med i Last Tango i Paris för att visa den enda användningen av smör som aldrig inträffade för Julia Child. Men i The Dreamers, som spelades i Paris under den turbulenta våren 1968, återvänder Bertolucci i sin bild till sina tre favoritämnen - sex, filmer och politik. Alla tre var i full gas då, som drivit upp de kaotiska 60-talets revolutioner. Året var en tid av strejker, studentprotester, politiska skandaler och rasande, kedjerökande hedonism, när Henri Langlois kastades ut från halcyonsalarna i Cinematheque Française i Paris och massor av upploppsande biofilmer kedjade sig vid portarna med New Wave ikoner som François Truffaut, Jean-Luc Godard, Jean-Paul Belmondo och Simone Signoret. Nykomlingen Bertolucci, en före detta assistent för Pier Paolo Pasolinis som gick med i de heliga leden efter sin första film 1962, var där, och minnets adrenalin stiger uppenbarligen fortfarande genom hans hjärna. Det är sista gången tillräckligt många människor påverkades så mycket av filosofin som de stötte på på skärmen att de var villiga att storma barrikaderna och stridspolisens klubbar och tårgas för att försvara filmerna av Nicholas Ray.
Anpassad av Gilbert Adair från sin roman, The Dreamers berättar om upplevelserna av Matthew (Michael Pitt), en ensam, naiv amerikansk student och omättlig filmfilm som umgås på Cinematheque natt och dag. Med en touch av konjak och en ödevridning möter han Isabelle (Eva Green) och Theo (Louis Garrel), exotiska franska tvillingar vars excentriska föräldrar har åkt på en längre semester och lämnat syskonen ensamma i de röriga, rymliga och lite skruviga familjens lägenhet. Inom två dagar flyttar bror och syster Matthews saker från sitt hotell och in i deras lägenhet, där de flörtar, fascinerar, romantikerar och förför honom till en ménage à trois som förändrar hela hans liv. Här är en artig, mjuk, snygg amerikansk från San Diego med en bakgrund av gröna gräsmattor, stationvagnar och Brooks Brothers knapp-nedgångar, vars sexuella anständighet gradvis minskar av en incestuös bror-syster handling ivrig att initiera honom till de bohemiska spelen i sin egen okonventionella sexuella revolution. Det är lika mycket en film om film som den handlar om kopiering. Eftersom den översexade trioens referenser till livets upplevelser alla är begränsade till scener från filmer de har sett på skärmen, skär Bertolucci till filmklipp av Chaplin, Garbo i drottning Christina, Fred och Ginger och, naturligtvis, varje amerikans outplånliga första intryck av Paris-Jean Seberg säljer International Herald Tribune på Rue l'Opera i Breathless. Matthew vänder sig in i en sekulär existens av incestuös dekadens och överlämnar sig till varje sexuellt experiment med total överlämnande, tills äventyren på de upploppsstridiga gatorna utanför intar uppvakningarna i sängarna inuti, och vägen till mognad och självupptäckt slutar i separation. Matthew inser äntligen att det finns mer i livet än ospecifika könsorgasmer. Frågan som ställs är: Vad sägs om en uppföljare, där han sätter sin kåta transformation på prov igen under San Diego?
Det finns gott om sex, men det mesta är svagt och inget av det är särskilt pulserande. Skådespelarna är nästan röda med ett utslag av förlägenhet, och med undantag av Eva Green - som stönar med simulerad lust som en porrdrottning - ingen verkar vara mycket påslagen. Herr Pitt, en intensivt besvärlig skådespelare från Brooklyn med vetefärgat hår och svullna läppar, visar sin rumpa och hans johnson, men han är för smutsig och prissig i munnen för att få upp mycket feber. Den barocka ateljén i Paris där ungdomar spelar ut sina fantasier ger filmen en härlig, dämpad kvalitet som sällan vågar ut i dagsljus, men detta är ett myopiskt ämne som Bertolucci inte lyckas helt med att sträcka sig bortom sin egen personliga vision. Det franska politiska klimatet 1968 är inte ett ämne som många är nyfikna på 2004, och kön är inte mer erotiskt än Janet Jackson i Super Bowl. Det är en film om ungdom och passion som verkar gammal och passionlös.
Can-Can Can!
Can-Can, de första encores! 2004, fördrev myten att denna populära serie med iscensatta konsertversioner av gamla Broadway-musikaler har överlevt dess användbarhet och popularitet. Du skulle inte veta det från skriken av godkännande som studsade från balkongen i centrum. En fråga tappar dock. Det ursprungliga syftet med Encores! För 10 år sedan skulle reprise visa att ingen hade sett i flera år, monterad utan uppsättningar eller kostymer, med hela rollbesättningen med böcker och librettos i sina händer och utför försummade, ofta glömda poäng värda en andra titt. Kvalificerar Cole Porter's skummande men vakula Can-Can? Kanske har det inte sett så mycket sedan det öppnades 1953 för bestämt blandade recensioner, med en roll som inkluderade Lilo, Peter Cookson, Gwen Verdon och Hans Conried, men den sprang i två år och vann Tony Awards för Gwen Verdon och koreografin. av Michael Kidd, så vem skulle kalla det dunkelt? Och vi kan gå till våra respektive hörn av ringen just nu och komma ut och slåss om huruvida det är värt att någonsin arrangeras igen. Abe Burrows bok var alltid platt, men på 50 år har den vuxit hår. Och trots sin tidsbeständiga hållbarhet har hitlåtar som I Love Paris, C'est Magnifique och It's All Right with Me alltid varit bland mina minst favoritposter i Cole Porter-katalogen. Utöver det hittar jag Michael Nouri en lox gjord av cypress, och jag har alltid varit helt allergisk mot skriket av Patti LuPone.
Efter att ha sagt allt detta måste jag nu bita i en stor bit ödmjuk paj och erkänna att jag hade en helt fin tid på Can-Can. Den endimensionella handlingen om en strid som förvandlas till en kärleksaffär mellan en uppriktig domare vid namn Aristide, som lovar att upprätthålla censurlagarna från 1893 genom att förbjuda alla suggestiva offentliga dansutställningar som kan uppmuntra eller vårda basinstinkterna hos stygga parisare, och den saftiga La Mome Pistache, ägare till den ökända Bal du Paradis-kabareten i Montmartre, där den olagliga burken är en nattlig dragning, är lika disponibel som någonsin. Allt leder upp till rättegången, där i rättssalen bara en sak kommer att förändra lagen, svänga juryn och smälta domarnas isiga hjärtan: Ta med burken! Det är kornigt bortom beskrivningen, med en påträngande quadrille, Garden of Eden-balett och facklande apache-dans som alla bara var perfekta. Men det fanns också några obestridliga nöjen: Den andra bananplottet om Boris, en pompös, svältande bulgarisk konstnär, och hans långmodiga flickvän Claudine, en burkdansare, förstärktes enormt av den otroligt charmiga Reg Rogers och den libidinösa , långbenta Charlotte d'Amboise. Och som den häftiga Pistache hittade Patti LuPone äntligen en roll som fyllde hennes röst och hennes korsett. Hon var den värsta Annie Oakley jag någonsin har sett, och som en olycklig Reno Sweeney i Anything Goes kunde jag inte förstå ett ord hon sa (eller sjöng). Men i Can-Can var hon en belle époque cupcake som ägde scenen. Hennes sång ökade utan att vara brassy eller platt, hennes salta agerande övertygad utan att vara kantig eller skarp. När hon väntade i vingarna kunde du höra publiken tappa uppmärksamheten. När hon kom tillbaka, steg men inte strid, kom alla till full uppmärksamhet, redo att hälsa. Det här är en klipp-och-klistra-produktion, professionellt regisserad av Lonny Price, av en show som jag lätt kan rekommendera, i texterna till Cole Porter, att allez-vous-en. Jag vill aldrig se eller höra Can-Can igen, men som en sällsynt uppvisning för att framhäva de bästa egenskaperna hos Patti LuPone blev låttiteln C'est Magnifique uppseendeväckande sant.
